Pregunta: A Land Imagined se adentra en la recuperación de tierras, el trabajo de los migrantes, los sueños y el insomnio, temas que no parecen estar relacionados entre sí. ¿Qué te llevó a concebir esta mezcla de temas?
Yeo Siew Hua: La película es la culminación de mis pensamientos en la isla-estado donde vivo y trabajo. Esta es una tierra que se ha estado "recuperando" desde antes de su creación como nación y nunca ha dejado de llenar sus mares con arena para expandir su masa de tierra. Gran parte de esta arena se importa de otros países, como la mano de obra que se trae aquí para ayudar a remodelar esta tierra.Lo que me parece problemático es que la mayor parte del discurso que recojo sobre la fuerza laboral migrante tiene que ver con la integración social y la retórica de ser buenos "anfitriones" de los "huéspedes", sin tener que lidiar con la raíz del problema que nos divide, perpetuando al mismo tiempo el efecto opuesto del alien(ación). Es por eso que esta película busca, no solo exponer la explotación estructural en el trabajo sino, lo que es más importante, humanizar a través de la comprensión de que ellos también tienen esperanzas y sueños.
Porque soñar es poder transformarse, y esa metamorfosis es vida. Por otro lado, el insomnio, o la incapacidad de pensar más allá de los límites del yo e imaginar al otro, es una forma de muerte. Esta muerte es experimentada por Lok, el investigador de la policía que está atrapado en su propia vida privilegiada de soledad hasta que finalmente puede volver a soñar y reunirse en la celebración de la vida.

P.: También vemos una mezcla de géneros, elementos del thriller de investigación, el procedimiento policial, el drama realista social y un persistente sentido del film noir. ¿Por qué era importante para usted referirse a estos géneros en A Land I magined?
Y. S. H.: Como todos los buenos misterios, el formato de investigación policial es capaz de atraer al público a participar en la resolución del caso. La película busca hacer cómplice al espectador en la búsqueda de Wang, colocándose en el entorno del trabajador migrante y viviendo su experiencia, en el proceso se crea una necesidad empática de comprender el personaje y su mundo.
Como una película que intenta provocar un cambio en la perspectiva, es útil para mí emplear las convenciones de género que vienen con sus propias expectativas. Combinando el thriller de investigación y un drama realista social, la película adquiere una fluidez que subvierte estas expectativas y cuestiona al público lo qu está viendo, en lugar de ser espectadores pasivos de los eventos que se desarrollan ante ellos.
El uso de las figuras del film noir fue premeditado para crear un clima y una forma de entrar en la película. Quiero señalar al público que los problemas con los que deben lidiar nuestros personajes no son simplemente intrigas de la trama, sino un complejo laberinto de la mente, como la mayoría de las películas noir. Dado que una gran parte de la película se desarrolla en la noche, la creación del ambiente noir correcto realza de manera efectiva una cierta calidad de mis personajes sin sueño a medida que se desplazan a través de una ciudad que es a la vez familiar pero extraña.

P.: Hay un claro cambio estructural de tiempo, espacio y perspectiva en el medio de la película que parece ir más allá de un flashback. ¿Hubo ciertas ideas de identidad y el flujo de tiempo en juego aquí? En cierto modo, este es el realismo mágico de tu película.
Y. S. H.: Emplear una estructura que juega con una cierta alteración del tiempo más allá de un simple flashback fue mi manera de combinar dos perspectivas aparentemente dispares en una singularidad. La transformación de estas perspectivas está unida por su sueño mutuo; el que encuentra y el que quiere ser encontrado.
Sin embargo, es importante que este sueño no se reduzca a una mera alucinación, para no trivializar la situación real de aquellos que están oprimidos por sus condiciones. Deseo desafiar a mi público en la construcción de las múltiples perspectivas de la película, al mismo tiempo que conservo la veracidad de la historia que he creado en base a experiencias de la vida real, contada por aquellos de las comunidades de migrantes con las que he hablado.
Este realismo mágico que he estado desarrollando desde mi película anterior "In The House of Straw", desfamiliariza los encuentros cotidianos y pone en tela de juicio los llamados "hechos" sobre los que me gustaría que mi público examinara más detenidamente y reflexionara. También es similar a mi propia experiencia de vivir en una ciudad como Singapur, donde me siento, al mismo tiempo, en casa y ajeno.

P.: ¿Qué es lo que le atrajo de su elenco multinacional para interpretar a los personajes - incluido el veterano actor de Singapur Peter Yu, Liu Xiaoyi de China que vive y reside en Singapur, Jack Tan de Malasia, Luna Kwok (Guo Yue) de China e Ishtiaque Zico de Bangladesh?
Y. S. H.: Al tratar de crear una historia sobre los migrantes, fue importante para mí crear la combinación correcta de voces en mi película. Pasamos mucho tiempo eligiendo a los actores correctos y estoy encantado con la maravillosa química que hay entre ellos y que ha traído diversidad a la película. Aunque no de manera exhaustiva, pero en cierto modo, es un microcosmos del crisol de culturas del contexto del que soy.
Me gustaría añadir que no solo el elenco, sino que incluso el equipo que hay detrás de las cámaras también es una mezcla multinacional. Mis principales colaboradores, incluido el productor español Fran Borgia, el director de fotografía Hideho Urata de Japón y el diseñador de producción James Page del Reino Unido, han contribuido a aportar su propia marca de sensibilidad a la película. Incluso cuando todos ellos han vivido en Singapur durante mucho tiempo, pudieron dar una perspectiva del extraño en el retrato de la experiencia migratoria representada en la película.

P.: Hay un detalle de lo extraño que se presenta el sitio de construcción aparentemente mundano y el cibercafé, que están en línea la mayor parte del tiempo. ¿Cuál es el lugar que estás imaginando para la película?
Y. S. H.: Está ubicada principalmente en el oeste industrial de Singapur, la película explora un paisaje que no es el rascacielos ostentoso familiar, sino la maquinaria fea que se encuentra escondida en la franja que lo maneja. Cuando visité por primera vez las obras de construcción para mi investigación, recuerdo que mi cuerpo se vio conmocionado por las duras condiciones a las que los trabajadores se enfrentaban a diario. La implacable arena que soplaba incesantemente en la cara y la brutal cacofonía del ruido generado por las máquinas era absolutamente insoportable.
Gran parte del diseño visual y del sonido de la película se basan en mi deseo de capturar esta realidad y presentarla en la pantalla. No creo que tales condiciones de trabajo sean algo a lo que uno pueda acostumbrarse, por lo que fue una decisión consciente aumentar la experiencia del lugar de trabajo a una cierta intensidad y no solo una rutina.
La suciedad y la mugre se contrastan con el cibercafé sórdido que frecuenta Wang. Operando veinticuatro horas, estos cibercafés se convierten en un refugio para los que no tienen sueño y están solos. Existen como un espacio liminal entre la noche y el día, real y virtual, conexión y alienación. Dado que hoy en día una gran parte de nuestras vidas se vive de forma virtual, creo que es relevante involucrarnos no solo en el nivel de la soledad física, sino también en la desconexión virtual cuando la película teje su narración a través del juego de ordenador, mientras juega con nuestras actitudes desensibilizadas hacia la violencia, en todas sus formas.