Con "Rapier" Toundra rompen su silencio discográfico y abren oficialmente una etapa nueva. Es su primer tema desde 2022, un avance de lo que será su séptimo disco de estudio: "Siete", que se publicará el 9 de octubre. Este tema condensa la filosofía de composición de los primeros años de Toundra, con temas monolíticos de desarrollos largos, pero integrando de forma más protagonista el uso de sintetizadores. "Rapier" es también testimonio de su nueva formación. La incorporación de Jorge a las guitarras y sintetizadores ha sido clave para reconstruirse y redefinirse como banda.
Desde su formación en Madrid en 2007, Toundra ha trazado un camino singular en la música instrumental europea, demostrando que la ausencia de voz no es una barrera. Tras un debut homónimo que rápidamente obtuvo repercusión en el circuito underground, la banda inició una trayectoria de crecimiento constante que los llevó a recorrer los principales escenarios y festivales del continente.

A lo largo de casi dos décadas, han sabido mutar sin perder su esencia a través de su etapa numérica (II, III y IV) y redefinido su sonido con Vortex (2018) y HEX (2022). Su universo creativo se ha expandido más allá de los álbumes de estudio convencionales, desde la ambición narrativa de la banda sonora para el clásico del cine mudo "Das Cabinet des Dr. Caligari", hasta la aplaudida incursión en el flamenco y el rock junto a Niño de Elche en el proyecto Exquirla. Toundra ha demostrado una inquietud artística inagotable, moviéndose con soltura entre el post-rock, el progresivo y el metal.
En 2026, Toundra inaugura su etapa más personal y valiente con su nuevo LP "Siete". Coincidiendo con la incorporación de Jorge García a las guitarras y sintetizadores, la banda apuesta por la autoedición y la autogestión total. Este regreso a la independencia permite al grupo explorar un sonido más libre, donde su característica pegada monolítica se funde con un uso más protagonista de la electrónica analógica y texturas sintéticas. Enlace I Youtube I Instagram I Spotify.

THE BUZZOS presenta su nuevo álbum, "Survival". Este disco refleja la larga trayectoria de la banda, marcada por la perseverancia, la pasión y la capacidad de mantenerse en pie frente a los constantes cambios y desafíos de la industria musical. A lo largo de los años, THE BUZZOS ha sabido resistir tanto los momentos de éxito como las etapas más complejas, consolidando una identidad sólida dentro de la escena rock, celebrando su camino recorrido y reafirmando su compromiso con su música y con su público. Este nuevo trabajo captura esa esencia combativa y auténtica que define al grupo, con un sonido potente y directo que conecta con sus raíces, también con una madurez adquirida tras años de experiencia sobre los escenarios y en el estudio.
El álbum arranca con "Mad City", un corte hard rockero que marca el tono enérgico del disco desde el primer segundo. Le sigue "Storm Inside My Brain", candidato a éxito generalizado: un pildorazo de punk melódico con una temática tan actual como necesaria, centrada en la salud mental. "Lost in Time" aporta un giro inesperado, explorando un amor imposible con el ritmo más bailable que la banda haya grabado hasta la fecha. A continuación llega "Make Things Right", primer sencillo del álbum, donde THE BUZZOS regresan a su vertiente más contundente con una descarga de punk hard rock directo y poderoso.

La primera mitad del disco se completa con "Tonight" y "Pretty Face", dos temas de melodías adictivas donde las influencias del rock escandinavo, el espíritu de los Sex Pistols y la actitud de Neurotic Outsiders se hacen evidentes.
En su segunda parte, "Survival" se adentra en terrenos más hard rock con canciones como "Hard to Hide" y "Falling Like a Comet", ambas centradas en la vida en la carretera, con un enfoque crudo. La gran sorpresa del disco llega con "Summer's Almost Gone", una power ballad que promete convertirse en uno de los momentos más destacados del álbum. El tramo final no da tregua: "Fool's Luck" irrumpe con fuerza desatada, con influencias de Motörhead y Guns N' Roses, mientras que "Dirty Halo" cierra el disco acercándose al rock clásico, evocando sonidos que recuerdan a unos primerizos Aerosmith. Con este disco, THE BUZZOS firman uno de sus trabajos más completos a la vez que demuestran estar en plena forma, más vivos que nunca y con mucho que decir. Youtube.

La banda madrileña Casi Perfectos, formada por Rubén y Hank, regresa por todo lo alto con el lanzamiento de "Dopamina", un sencillo que no es una canción más en su repertorio, sino un punto de inflexión y un giro de timón estilístico en su corta e intensa trayectoria profesional. Si en las entregas anteriores el dúo se movía con comodidad gracias a un sonido pop más comedido y resguardado, ahora rompen las cadenas y se lanzan de lleno al indie pop y al pop-rock alternativo de alta intensidad. La evolución es evidente desde el primer compás: el tema se construye sobre una instrumentación de fuerza rítmica, donde una línea de bajo imponente y guitarras afiladas sostienen la tensión emocional constante. Es una propuesta más enérgica, madura y contundente, diseñada para atrapar al oyente desde el segundo uno y quedarse en bucle en la cabeza de la audiencia.

Esta transformación musical y emocional se traslada de forma brillante a la pantalla. El lanzamiento llega acompañado de un vídeo oficial de estética cinematográfica y ritmo frenético. En lugar de optar por una narrativa convencional, el clip muestra a los dos integrantes del grupo, Rubén y Hank, compitiendo cara a cara en una salvaje y veloz carrera de karts. Ésta funciona como una metáfora visual perfecta de lo que relata la propia canción: la velocidad desbocada, el riesgo, la competitividad y la química incontrolable de una relación adictiva que te sube al cielo y te lanza al suelo. Con "Dopamina", Casi Perfectos demuestra que están listos para asaltar las listas de éxitos de referencia del indie nacional y dar un golpe sobre la mesa en la escena alternativa.
Casi Perfectos son Rubén y Hank, dos músicos madrileños y grandes amigos que llevan media vida compartiendo escenarios por todo el país en diferentes proyectos. En 2023, decide embarcarse en una nueva etapa bajo el nombre Casi Perfectos, apostando por un sonido cargado de personalidad, carácter y con la intención de contar historias que conecten y hagan bailar.
Su carta de presentación fue toda una declaración de intenciones, ya que se atrevieron a versionar nada más y nada menos que Años 80, de Los Piratas, a modo de homenaje generacional. Más adelante, con su segundo sencillo, Casi Perfectos, la banda continuó adentrándose en esta nueva etapa cargada de energía hasta llegar a agosto de 2024, momento en el que lanzan el EP "FASES", una colección de canciones que explora las diferentes etapas de una relación de pareja: del enamoramiento al desamor, pasando por la consolidación y la crisis. Ahora, con "Dopamina", Casi Perfectos se posiciona como una banda capaz de emocionar, conmover y hacer vibrar a una nueva generación de oyentes. Youtube I Facebook I Instagram I Spotify I Tik Tok.

Dos años después de Studio 2, ISIUS regresan con Right Up Your Alley, un nuevo EP editado por Ernie Records que confirma el momento creativo de la banda y su forma de entender el rock. En lugar de aislar las canciones en un estudio, el grupo decidió grabarlas allí donde nacen y evolucionan: su propio local de ensayo. Una elección que responde a una idea muy sencilla: conservar la tensión, la cercanía y la energía que solo aparece cuando una banda toca junta.
Compuesto íntegramente por José Viqueira y producido por los propios ISIUS, el EP fue registrado entre enero y abril de 2026 por Carlos Gil. Esa búsqueda de un sonido directo y sin adornos encuentra su equilibrio en la mezcla de Santi García, realizada en Ultramarinos Costa Brava, y en la masterización de Victor García en Ultramarinos Barcelona, dos nombres de referencia dentro del rock independiente.

Right Up Your Alley reúne tres canciones -Drill Baby Drill, Half a Dad y The Ceiling Watcher- que condensan la personalidad sonora del grupo. Guitarras con carácter, melodías inmediatas y una intensidad constante recorren un trabajo que bebe del rock alternativo y el power pop de los noventa sin quedarse atrapado en la nostalgia. ISIUS miran a esos referentes para seguir construyendo una identidad propia, reconocible y plenamente vigente. El EP cuenta además con la colaboración de Sara Reverter, que aporta voces adicionales en Half a Dad y The Ceiling Watcher, ampliando los matices de un lanzamiento que mantiene intacta la personalidad de la banda. Youtube I Instagram I Spotify.

En el marco de la celebración del Día Mundial de la Músical (21 de junio), el 18 se ha presentado el videoclip del proceso ciudadano de creación musical #Almeuritme, que tiene como objetivo promover que personas diversas de la ciudad se reúnan alrededor de un nexo común y compartido, la música. Este año, el proyecto ha partido de la interpretación del tema "Persona" de la cantautora asturiana Lorena Álvarez. La banda ha sido formada por trece músicos y participantes de varias edades de la ciudad, la mayoría alumnas de L'Escola d'Arts en Viu y usuarios de los bucs de ensayo de La Capsa. Todos ellos junto a Lorena Álvarez son los protagonistas del videoclip de este año. Además, el proyecto ha contado con otras derivadas: la participación de niños y niñas de la Escola Joan Maragall vinculados al proyecto Entretradis de L'Escola d'Arts en Viu y con el apoyo de El Prat Film Office en la búsqueda y gestión de localizaciones de la ciudad.
La edición de este año toma como hilo conductor trece artículos extraídos de la Declaración Universal de los Derechos Humanos. A partir de estos principios universales, la propuesta artística invita a reflexionar colectivamente sobre valores esenciales como la libertad, la igualdad, la dignidad, la paz y el respeto entre las personas. En un contexto mundial marcado por los conflictos, las desigualdades sociales, los discursos de odio y la vulneración constante de derechos fundamentales, esta edición reivindica la necesidad de defender y preservar los derechos humanos como base imprescindible para construir una sociedad más justa, diversa y cohesionada.
La Capsa y L'Escola d'Arts en Viu han dinamizado un proceso ciudadano de creación artística con la participación de Lorena Álvarez. Esta experiencia artística forma parte de la iniciativa de creación musical #Almeuritme, que tiene como objetivo promover que personas diversas de la ciudad se reúnan alrededor de un nexo común y compartido: la música. La propuesta ha contado con la participación de trece músicos de diferentes edades y trayectorias, así como de veinticinco niños y niñas de la Escuela Joan Maragall vinculados al proyecto Entretradis de L'Escola d'Arts en Viu. Todos ellos han compartido espacios de ensayo, experiencias y creatividad en un proceso colaborativo que pone en valor la música como herramienta de transformación social y cohesión comunitaria.
Para reforzar el mensaje de esta edición, cada una de las localizaciones escogidas para el rodaje ha sido seleccionada por su relación directa con los artículos trabajados de la Declaración Universal de los Derechos Humanos y con personas, colectivos e iniciativas que, desde distintos ámbitos, contribuyen a hacer del mundo un lugar mejor. De este modo, los espacios que aparecen en el videoclip se convierten también en una representación visual de los valores de solidaridad, igualdad, inclusión y compromiso social que inspiran el proyecto. La realización del videoclip ha corrido a cargo de la productora Elsabeth, colaboradora habitual de Almeuritme.

La trayectoria de Lorena Álvarez
Lorena Álvarez es una cantautora asturiana que inició su trayectoria artística vinculada al mundo de la pintura, antes de comenzar a componer música a partir de 2010, compartiendo sus primeras canciones de forma cercana con su entorno. En 2012 publicó su primer trabajo, La cinta, en formato casete, seguido ese mismo año por su edición en vinilo y CD bajo el título Anónimo. Su propuesta llamó la atención en la escena independiente, con actuaciones en festivales como el Primavera Sound y giras como telonera de artistas como Julieta Venegas y colaboraciones en directo con Nacho Vegas. En 2014 grabó el EP en directo Dinamita en el Círculo de Bellas Artes de Madrid junto al coro La Dinamo, y en 2019 publicó su álbum Colección de canciones sencillas, consolidando una obra reconocida por su mezcla de folk, tradición e indie pop, con influencias que van desde Violeta Parra hasta Leonard Cohen o Patti Smith. Además de su faceta musical, destaca por implicarse en el diseño e ilustración de sus propios trabajos, integrando una dimensión visual muy cuidada en su obra.
17 años de la iniciativa de creación musical #Almeuritme
Se celebran 17 años de la iniciativa de creación musical Almeuritme, un proyecto que, a lo largo de sus diferentes ediciones, ha ido evolucionando en formatos, lenguajes y procesos, manteniendo un mismo eje central: la creación colectiva a través de la música y la participación de la ciudadanía. En sus primeras ediciones, el proyecto partía de una lógica más experimental, en la que las grabaciones realizadas por la ciudadanía en el espacio público servían como base para la creación de piezas musicales. Posteriormente, Almeuritme dio paso a interpretaciones colectivas de canciones ya existentes, en las que músicos de la ciudad compartían proceso creativo con artistas invitados, llevando la música a distintos espacios del municipio.
A lo largo de los años, el proyecto ha contado con la participación de numerosos artistas de referencia como Sidonie (2018), Los Ganglios (2019), Els Pets (2020), El Petit de Cal Eril (2021), Alondra Bentley (2022), Miqui Puig (2023), Enric Montefusco (2024) o Jofre Bardagí representando a Serrat en la edición de 2025 generando experiencias de trabajo conjunto en las que los ensayos, el proceso creativo y la grabación se convertían en parte fundamental del resultado final. Cada edición ha servido también para explorar distintas miradas sobre el territorio y la vida en comunidad, abordando temáticas como la memoria colectiva, la identidad local, el valor del comercio de proximidad, la relación con el entorno natural o la tensión entre la vida cotidiana y la creatividad. En este sentido, Almeuritme se ha consolidado como un proyecto cultural que no solo produce piezas audiovisuales, sino que construye relato colectivo sobre el Prat y su gente.
En los últimos años, el proyecto ha seguido ampliando su dimensión simbólica y participativa, reforzando la implicación de músicos, colectivos y ciudadanía. Todo ello ha permitido que Almeuritme se mantenga como un espacio vivo de creación compartida, capaz de conectar generaciones, experiencias y sensibilidades diversas a través de la música. Youtube.

Malva, uno de los artistas más sólidos y cautivadores de la escena musical española, vuelve a la carga. Tras el éxito de su álbum debut `Contenido Sensible' (2024), que le valió una nominación como Mejor Álbum de Pop Rock, el cantante se une al mexicano Esau Ortiz para lanzar "México", una colaboración que suena a himno. En este tema, Esau Ortiz, originario de Monterrey, no es un simple invitado: su estilo directo y callejero le da un giro fresco y urbano a la canción. Mientras Malva aporta su característica intensidad vocal, Esau imprime un ritmo más cercano y pegajoso que conecta con el público joven y latino. Juntos logran un equilibrio perfecto entre la sensibilidad española y la energía mexicana.

La canción, producida por Ricardo Ruipérez (M-Clan), tiene un sonido amplio y cinematográfico, con vientos, guitarras y una melodía que se te queda en la cabeza. Pero lo que realmente la hace especial es la química entre ambos artistas. "México" habla de un amor que cruza fronteras, de viajar por el mundo solo por estar con la persona que quieres, dejando de lado lo material. Un mensaje universal que cualquiera puede sentir. Con esta colaboración, Malva demuestra que no se queda en un solo estilo, y Esau Ortiz se posiciona como un nombre a seguir en la escena latina. Enlace I Youtube.

La explosiva actuación de Bomba Estéreo sirvió de perfecto final para el primer fin de semana de Pirineos Sur, donde ya han acudido más de 9.000 espectadores. Hace semanas que se agotaron las entradas del jueves 16, con la M.O.D.A y Sanguijuelas del Guadiana; el sábado 18, con Dani Fernández y Hens; y el jueves 23, con Carlos Ares y Valeria Castro, lo que promete convertir el festival un año más en una de las citas ineludibles del verano.
Los conciertos de Bomba Estéreo son una gran fiesta. Se baila, se canta y se celebra la vida. Su mezcla de reggaeton, pop y electrónica es infalible para los grandes festivales y en Pirineos Sur no defraudaron. Siempre salen por la puerta grande, gracias a su concierto multicolor, donde no existe momento para el aburrimiento. Su último trabajo es Astropical, pero su repertorio incluyó éxitos de todas sus épocas. Pájaros, Algo está cambiando y Me duele sirvieron para entrar en calor, mientras que en Ahora contaron con la colaboración de Alex Serra, protagonista también de la noche actuando al inicio de la jornada. El estado de ebullición llegó en la segunda parte del concierto, cuando se entregaron a To my love, Fuego, Fiesta y Soy yo. La cita de Lanuza ha supuesto además el final de la gira de Bomba Estéreo, con una Li Saumet que aseguró haber sentido "la energía más fuerte de todos los conciertos".
Más sosegada pero igual de interesante resultó la propuesta de Alex Serra & Totidub, que con su buen conocimiento de la música negra y la electrónica regaló un espectáculo envolvente y expansivo. Así se cierra un primer fin de semana con gran éxito de asistencia, que sirve de antesala para el siguiente asalto que se celebrará entre el 16 y el 19 de julio.

Dos sold out para el próximo fin de semana de festival
El segundo fin de semana traerá algunas de las propuestas más vibrantes y populares del cartel, con dos noches con todas las entradas ya agotadas. Precisamente, la primera jornada ya se ha colgado el cartel de sold out con los conciertos de Sanguijuelas del Guadiana y La M.O.D.A. Será una noche de raíz, energía y conexión directa con el público. Para el 17, actuarán dos de los nombres femeninos nacionales más potentes del momento: Judeline y Samuraï. Y a ellas se une Elem, que con sus canciones pop enérgicas e introspectivas se ha convertido en una de las artistas pop que más están destacando en Zaragoza. La primera ha construido en pocos años un universo propio que fusiona tradición y vanguardia con Bodhiria, mientras que Samuraï, con El silencio del ruido, se confirma como una de las grandes promesas del pop actual gracias a un lenguaje directo y cargado de honestidad emocional. El 18, también con todo vendido, llegarán Hens y Dani Fernández, dos artistas capaces de convertir sus directos en himnos generacionales. El 19, Pirineos Sur sumará la presencia de otra de las estrellas internacionales de esta edición, Rubén Blades junto a la Roberto Delgado Big Band. Como ya ha demostrado en sus recordadas visitas, será uno de los conciertos del festival. Esa misma jornada también estarán Monsieur Periné, una de las bandas colombianas más reconocibles de la música latinoamericana reciente, gracias a una propuesta que mezcla jazz, pop y swing con ritmos latinos. Abrirá la tarde, la cubana y protagonista del nuevo pop urbano latino Melanie Santiler, una combinación que aportará carisma y elegancia. Las entradas siguen disponibles en la web del festival. Las entradas del jueves 23, con Valeria Castro y Carlos Ares, ya están también agotadas; y la última noche del festival con ETS y La Fúmiga, están a punto de agotarse. Para disfrutar de los conciertos en familia, todos ellos contarán con un cupo limitado de entradas a 10 ? para menores de 11 años. Enlace I Youtube.

O meu amor es un canto a la herida abierta que deja quien se va y al tiempo lento que queda después. Es también una despedida que no termina, que insiste en acompañar, aun sabiendo que amar también es aprender a seguir. Y que la vida siempre se abre paso, obstinada, como si fuese ajena a las pérdidas.
El órgano de la Iglesia de la Universidad de Santiago de Compostela respira hondo en las manos y pies de Sabela Caamaño, convirtiendo el duelo en un espacio habitable. Y, sobre ese aliento, la voz de Antía Ameixeiras se entrelaza con las de Tarta Relena, en un canto polifónico compartido que abraza la ausencia, transformándola en memoria viva.
Partiendo de un tema tradicional de Açores, introducido en el imaginario de la música gallega por Leilía, esta canción recoge una sabiduría antigua: la de llorar lo que se pierde sin dejar de continuar, entendiendo que en esa persistencia también se encuentra una forma de cuidar, de recordar, de honrar. Y, poco a poco, de volver a vivir.

Sabela Caamaño (acordeón cromático) y Antía Ameixeiras (violín y voz) forman Caamaño & Ameixeiras, un dúo gallego ligado a la música y al baile de raíz. Desde su nacimiento, en 2018, este dúo cuenta con una intensa trayectoria, tanto a nivel nacional como internacional. Tomando como punto de partida la tradición, el dúo consigue crear un lenguaje propio y único, con composiciones y arreglos personales y vivos que mantienen la esencia de lo popular incorporando recursos contemporáneos y situando la emoción en primer plano. Después del éxito cosechado con su primer trabajo discográfico, Aire! (Segell Microscopi, 2021) (Premio Martín Códax da Música 2021 en la categoría de Folk, 1º Premio en el Folkez Blai 2021 (Ermua, País Vasco), Premio Opinión da Música de Raíz ao disco do ano 2021), producido por el reconocido músico burgalés Diego Galaz y con colaboraciones tan destacadas como la de Sílvia Pérez Cruz o Fetén Fetén, el dúo lanza en octubre de 2023 su segundo álbum. En Quitar o aire (Raso Estudio, 2023), con Hevi (Malandrómeda) a los mandos de la producción, Caamaño&Ameixeiras resignifican y actualizan los códigos de la música de raíz, dando un volantazo a su sonido, elevando la mística y la profundidad y llevando la sonoridad de la tradición gallega e ibérica a la virulencia de planos más frontales y de músicas que se salen de los márgenes de los géneros. Enlace I Youtube I Instagram I Spotify.

BOIKOT vuelve a golpear la mesa con "No Les Interesa", un álbum directo, incendiario. La banda madrileña firma un trabajo cargado de energía, mensaje y actitud, donde el punk, el ska, el folk y el rock se entrelazan para dar forma a un sonido inconfundible y combativo.
Tras un tiempo sin novedades discográficas pero con una actividad en directo imparable, BOIKOT regresa con un disco grabado y producido por su guitarrista, Kosta, en su propio estudio de Madrid. Con él, como siempre: Juankar al bajo, Alberto a la guitarra, Grass a la batería y, completando el equipo, Xabi Aracama con la trikitixa, Juanan a la trompeta y el violín, y Zampa con el trombón. El resultado: una contundente colección de canciones que suenan urgentes, actuales y más vivas que nunca.

Desde el primer golpe, "Toro" marca territorio con una contundente defensa animalista, seguida por la explosiva y festiva "No Les Interesa", donde la banda dispara a la realidad con ironía y rabia. Temas como "La Otra Mitad" o "Hey Libertad" refuerzan ese pulso entre denuncia y esperanza que define todo el álbum.
"El Pueblo", convertido en un himno, recoge el legado de voces como Federico García Lorca y Miguel Hernández para recordarnos que la historia, cuando se olvida, vuelve a repetirse. La intensidad no baja con "Cenizas De Corazón" ni con "Ayer Tuve Un Sueño", donde BOIKOT vuelve a mirar al futuro sin renunciar a la crítica. "Arde" irrumpe con fuerza desde las entrañas, mientras que "Que Te Den" aporta un respiro festivo con tintes de folk celta, celebrando la vida, la amistad y la memoria. "Me Levantaré Otra Vez" es sin duda uno de los grandes himnos del disco, llamado a corearse en cada concierto.
Con "Hijos De Bruja", la banda reafirma su esencia más punk, y en "Los Últimos Niños" encara sin rodeos una de las realidades más duras de nuestro tiempo, probablemente la mejor canción de su historia, "En Su Voz" emociona, mientras que "Tan De Verdad" cierra el álbum con una sensibilidad acústica que deja huella. El disco cuenta además con colaboraciones destacadas como Pul Pul (Ska-P), Ara Malikian, Kaos urbano ,Talco, sumando fuerza y matices a un trabajo ya de por sí arrollador.
BOIKOT vuelve. "No Les Interesa" es un firme puñetazo sobre el tablero: rápido, incómodo y sin concesiones. Punk, ska, rock y folk se mezclan en un cóctel explosivo que suena a calle, a lucha y a verdad. BOIKOT dispara sin filtro y con la experiencia de quien lleva años en primera línea. "No Les Interesa" no es solo un disco: es un grito, una llamada a la acción y un espejo incómodo de la realidad. BOIKOT vuelve para recordarnos que la música también puede ser un arma cargada de futuro. Youtube I Instagram.

BOIKOT continúa desvelando los temas que formarán parte de su nuevo álbum, No les interesa. En esta ocasión presentan "Me Levantaré Otra Vez", una colaboración junto a un buen amigo de la banda desde siempre, Pupul de Ska-P, que añade un toque de su distintiva personalidad, lo que remata de manera brillante el resultado final: Un tema cargado de fuerza, emoción y esperanza que conecta directamente con todas aquellas personas que han atravesado momentos difíciles y han encontrado el coraje necesario para volver a ponerse en pie.
"Me Levantaré Otra Vez" se erige como un aguerrido himno de lucha y resistencia, un bello canto a la libertad y a la perseverancia frente a las adversidades. Con la energía que caracteriza a BOIKOT, la canción se convierte en una declaración de principios y en una poderosa realidad: no existen jaulas capaces de encerrar las voces que nacieron para brillar.

A través de una letra intensa y profundamente emotiva, la banda madrileña pone el foco en la capacidad humana para sobreponerse a las caídas, reivindicando la importancia de no rendirse jamás. El tema transmite un mensaje universal de superación que trasciende generaciones y circunstancias, recordando que incluso en los momentos más oscuros siempre existe una razón para seguir adelante.
Con una combinación de contundencia musical y sensibilidad lírica, "Me Levantaré Otra Vez" invita a resistir, a creer en uno mismo y a encontrar la fuerza necesaria para avanzar cuando todo parece perdido. Una canción destinada a convertirse en uno de los momentos más inspiradores de "No Les Interesa", reafirmando el compromiso de BOIKOT con las historias reales, la conciencia social y los mensajes que nacen desde la experiencia y la convicción. Porque caer forma parte del camino, pero levantarse una vez más es, sin duda, el mayor acto de libertad. Youtube.

Amor Compartido es un álbum que convierte la colaboración en una forma de composición: el nuevo trabajo de Cupido funciona como un espacio de encuentro entre distintas escenas, acentos y tradiciones musicales de ambos lados del Atlántico. México, Chile, Argentina, Puerto Rico, Guatemala, Estados Unidos y España aparecen aquí unidos por una misma obsesión: intentar entender qué ocurre cuando una relación termina, se transforma o simplemente deja de parecerse a lo que prometía ser. Por eso el disco funciona casi como un pequeño mapa de la música popular latinoamericana contemporánea desde los lenguajes urbanos y alternativos que han conectado a una generación entera a través de internet. Hay bolero, hay dream pop, hay indie rock mexicano, hay ecos de trap rioplatense, hay baladas de dormitorio y surf pop romántico. Son estilos muy distintos, pero todos orbitan alrededor de una misma emoción, y también desde el ímpetu panhispano que ha sacudido el espíritu de Pimp Flaco en este último lanzamiento.
Por eso mismo, el desamor aparece aquí bajo formas muy distintas: los celos de 'Maldito Cupido', junto a Cuco, encuentran refugio en un bolero suspendido sobre acordes de piano cristalinos; 'Ouch :_(', junto a Usted Señalemelo, transforma la resaca emocional en una carretera nocturna de guitarras atmosféricas y baterías luminosas; mientras que "Troleo", junto a Lorna, convierte la tensión romántica en una discusión interminable donde el meme y la provocación superan cualquier otro sentimiento profundo.

La geografía sonora del disco resulta igual de diversa. 'Parada del Bus', junto a Little Jesus, recupera el optimismo digital del tropipop latinoamericano mediante sintetizadores vaporwave y una estética Frutiger Aero que parece extraída de un internet más ingenuo. "404", con DrefQuila, introduce una de las instrumentales más rock del álbum, construida sobre guitarras expansivas y promesas románticas tan exageradas que terminan adquiriendo una extraña ternura. 'Calle de la Pena', junto a Kinder Malo, conecta con los primeros imaginarios de Pimp Flaco (mucho antes de que Cupido se formase) desde una sensibilidad mucho más latina: rumba catalana, verbena popular y ecos del pop español de principios de los dos mil conviven en una misma calle. Sin embargo, en otros momentos, el disco busca una escala más íntima. 'Dolor de Muelas', junto a Bruses, recupera aquella sensibilidad que surgió cuando el trap comenzó a encontrarse con el piano, las baladas y los instrumentos orgánicos a finales de la década pasada. 'LMMJVS', junto a Bhavi, desarrolla una pequeña teoría sentimental sobre los días de la semana (su friday i'm in love particular) mediante una guitarra dream pop minimalista cuyos patrones de fingerpicking recuerdan por momentos al lenguaje del bluegrass. En 'Más valen cien pájaros volando que uno en mano', Zoe Gotusso aporta una delicadeza cercana a la bossa nova para acompañar una de esas rimas que solo parecen existir dentro del universo lírico de Pimp Flaco: "hacerme un nido cerca de tu cuarto, y picar con el pico, todas las mañanas para que me des un pico y después salir volando hasta las tres y pico". Y 'Bolsa de Doritos', junto a Jesse Báez, parte de una observación heredera de American Beauty para desplazarse entre improvisaciones cercanas al fiddle pop, pequeños gestos de avant-pop británico y un corazón inequívocamente surf pop. Al final, Amor Compartido termina pareciéndose bastante a las relaciones que describe: demasiadas personas involucradas, expectativas difíciles de gestionar y una enorme cantidad de mensajes cruzados. La diferencia es que aquí, contra todo pronóstico, la cosa funciona. Youtube I Instagram I Tik Tok.

Por primera vez y después de 15 años se publica en vinilo "Sangre Y Mierda" con sonido remasterizado. Este álbum, uno de los más aclamados por su público, ahora se edita por primera vez en un formato exclusivo de vinilo eco transparente. Mirando de frente al mundo real, cual serpiente siseante, GATILLAZO nos ofreció hace ya 15 años una colección de 14 temas que ya son himnos. Punk auténtico, directo y lleno de furia se desprende de temas como: "¡Esto es Vida!", "Treinta y Tres", "El Caos Perfecto", "Un Poco de Respeto", "No Love" y "Mucha Muerte" de la cual se estrenará un vídeo lyric. Cada canción del álbum nos retrata parte de la trayectoria de una de las bandas más rebeldes y desafiantes de la historia del punk en castellano.

En esta ocasión, la remasterización ha corrido a cargo de los estudios de CROSSFADE MASTERING por Enrique Soriano. El disco muestra un tratamiento mucho más nítido y moderno que brinda al oyente una nueva forma de apreciar este descarado álbum. Youtube.

Tras su carta de presentación con "Nomeolvides", La Jvnta presenta "La hoz", su segundo sencillo. Este nuevo tema es un cántico a la bicicleta, el río y el campo, posicionado contra el coche, la avenida y la ciudad que los invaden y fagocitan. Su estribillo funciona como una llamada directa a despertar a la izquierda desdentada que olvidó cómo luchar y al pueblo que dejó de esperarla.
Si en su anterior lanzamiento había ambigüedad, aquí la letra está escrita en poesía surrealista con un enfoque indirecto y algo críptico, apostando por un simbolismo velado y significados más abiertos. Un concepto que la portada refuerza visualmente con una hoz rompiendo el plano de una ciudad atravesada por un río negro, escondida pero visible a ojo de buen cubista.

Musicalmente, "La hoz" se construye sobre un polirritmo africano con sonido setentero, crooning vocal, violines country y guitarras cortantes. A través de una base de afrobeat, post-punk y funk con tintes folk, el resultado evoca una jam session entre Fela Kuti, los Talking Heads y los Stranglers. Todo ello rematado con un estribillo muy Radio Futura y momentos ambient sacados de alguna película de Tarkovsky en la que el significado lo encuentras tú.
LA JVNTA
Reubicados en Sevilla, abren una segunda etapa en su andadura de postpunk andalusí. Sin renegar de su raíz progresiva, su nueva fórmula sonora abraza aproximaciones sesenteras, desvergüenza popera y una amalgama tropical que incluye guitarras entre lo surfeiro y lo brasileiro, ritmos latinos y violines enmascarados bajo el tacto del sintetizador.
Sobre esta base, despliegan letras con una marcada voz andaluza que disparan en todas direcciones, desde las inseguridades sexuales y el regreso tras el exilio económico, hasta la alarma por el terror ultraderechista y la autoparodia de la izquierda. En esta nueva etapa, con Ismael Prieto (batería), Álvaro Morato (guitarra), Adriana Puentes (violín) y Mugre (bajo y voz) en el escenario, junto a Miguel Otero tras la mesa de mezclas, la banda consolida una voz propia que bebe de influencias como Pony Bravo, Radio Futura o The Clash. Tras por escenarios como el Monkey Week o Lemon Rock, están listos para presentar su directo en salas, festivales y cualquier sarao independiente. Youtube I Facebook I Instagram I Spotify.

Emlan estrena "Sobrenatural", el nuevo sencillo que consolida la nueva identidad sonora de su proyecto. Este lanzamiento marca una nueva etapa mucho más enfocada al rock, continuando el rumbo iniciado en este 2026 después de su anterior sencillo, "Superficial". Menos artificio, más banda y más rock & roll.
"Sobrenatural" es un rock & roll directo y emocional que habla de conexiones tan intensas que parecen irreales. A través de este nuevo trabajo, el artista entrega puro rock en español apoyándose en una emoción directa para conectar con el oyente.

Para reflejar esta intensidad, el tema destaca por una producción más cruda. Musicalmente, "Sobrenatural" se construye sobre guitarras orgánicas y la energía de una banda real, logrando un sonido que remite a referencias del género como Los Zigarros, Leiva, Robe o Fito & Fitipaldis.
EMLAN
La carrera de Arnau Moreno, conocido artísticamente como Emlan, se iniciaba en el año 2020 con varios singles, un EP y colaboraciones con grandes artistas que finalmente derivó en su primer disco `Nuestro Plan', un trabajo original, enérgico y repleto de melodías pop-rock y muchas guitarras. Desde entonces, no ha parado de crecer siendo 2022 el año en el que terminó por despegar haciéndose un hueco en la escena, subiendo a los escenarios de algunos de los festivales más importantes del país como SanSan Festival, Interestelar, Mallorca Live, Río Babel, Arenal Sound o la emblemática Plaza del Trigo de Sonorama Ribera.
Tras esta gira, estrenaba su segundo álbum `Hotel Chiclepunk', un disco que el artista consigue enfocar hacia un estilo musical con el que se siente realmente identificado. Ahora, encara el 2024 cargado de nuevos proyectos, preparando nueva música y confirmado para el festival Road to Río Babel, donde compartirá cartel con bandas tan icónicas como Green Day o The Interrupters. Youtube I Facebook I Instagram I Spotify.

Diez años después de la publicación de Siempre, el último y ya mítico álbum de Agorazein, el colectivo formado por C. Tangana, Sticky M.A., Jerv.AGZ, I-Ace y Fabianni celebra su legado con un lanzamiento muy esperado: la primera edición en vinilo del disco. El pre-order ya está disponible a través de la web del grupo, presentando tanto una edición limitada en color negro como una edición limitada coleccionista en color rojo de mayor gramaje que incluirá además una funda especial y un póster exclusivo.
La publicación llega coincidiendo con el décimo aniversario del álbum, que se cumple el 15 de noviembre de 2026, y con el regreso a los escenarios de AGZ. Lo que comenzó como un único concierto en el Movistar Arena de Madrid acabó convirtiéndose en cuatro noches consecutivas tras la enorme demanda del público. Las actuaciones del 15 y 16 de noviembre ya han colgado el cartel de entradas agotadas, mientras que todavía quedan las últimas localidades para los conciertos del 17 y 18.

Publicado originalmente en 2016, Siempre marcó un antes y un después para el sonido urbano español y consolidó a Agorazein como una de las formaciones más influyentes de su generación. El vinilo recupera íntegramente el repertorio original con himnos atemporales como `100K Pasos', `Tentación', `Planes' o `Ya Sabes'. Una pieza imprescindible para quienes vivieron el fenómeno desde sus inicios y para nuevos seguidores de un grupo que es para siempre. Youtube I Instagram I Spotify.

Pendo y Leah Zawose muestran los polirritmos fluidos y el canto polifónico entusiasta del pueblo Wagogo de la región de Dodoma, en el centro de Tanzania. Descendientes de una de las familias musicales más distinguidas de Tanzania (el fallecido Dr. Hukwe Zawose es el padre de Pendo y el abuelo de Leah), este proyecto marca la primera vez que mujeres de esta famosa familia musical ocupan su lugar como vocalistas e intérpretes principales.
9.07.2026 PAMPLONA SAN FERMINES
10.07.2026 VILANOVA I LA GELTRÚ FIMPT
11.07.2026 BARCELONA CASA MONTJUIC
16.07.2026 MADRID VILLANOS
17.10.2026 ALCALA LA REAL ETNOSUR
Cada nota que tocan The Zawose Queens rebosa espíritu y fuego, las vibraciones de sus antepasados, que se transmiten a través de instrumentos tradicionales como el violín chizeze, el piano de pulgar illimba o los tambores ngoma y voces alegres y profundas, la conexión con la naturaleza, la ceremonia y el ritual, en una fusión inspirada en la danza, la mezcla de lo orgánico, lo armónico y la electrónica moderna. Hay letras que hablan, en su kigogo natal, de la pasión por la música, de las maravillas de la vida, de orgullo por el medio ambiente, por la tradición, por sus raíces en el África Oriental.

Maisha, su primer disco, editado por Real World, el sello de Peter Gabriel, cuenta con la producción de Tom Excell (Nubiyan Twist, Onipa) y Oli Barton-Wood (Ezra Collective, Jordan Rakei, Obongjayar) y tuvo una recepción increíble, con artículos especiales en The Guardian y Financial Times, un fuerte apoyo de The Quietus y Songlines, además del apoyo de radio de Gilles Peterson y muchos otros. Su próximo disco está previsto para finales de 2026.
Sobre el escenario les acompañan Ben Brown (Waaju, Mulatu Astatke) y Tal Janes a la batería y guitarra, un poderoso espectáculo que ha irrumpido en la escena europea en el último año, y que ya ha demostrado lo que vale en prestigiosos festivales como Glastonbury (UK), Lowlands (NL), Womad (UK, ES, AUS), Green Man (UK), Les Transmusicales (FR), Le Guess Who (NL) o Womex (FI). Enlace I Youtube I Spotify.

La idea de esta musicación siempre ha sobrevolado las cabezas de Shinova, pero no querían crear algo artificial ni que fuera un trabajo de encargo. Querían un himno de verdad, acorde a su identidad y valores. Una canción a la altura de Bilbao que hablara de su pasado, presente y de su futuro. La banda lo tuvo claro escuchando el disco 'El Presente', disco publicado por los bizkaitarras en 2024. La épica del sonido de la banda de Durangaldea encaja con la personalidad que querían tranasmitir.
Gabriel de la Rosa, Erlantz Prieto, Daniel del Valle, Joshua Froufe y Alain Martínez con la colaboración de Jon García, vocalista de GAR, se metieron de lleno con el reto de convertir su esencia en canció a través de un himno que, desde la épica, quedara para la memoria colectiva no solo del Bilbao Basket, también de Bilbao y Bizkaia. Música para encender el fuego de Miribilla. Y lo han hecho en euskera y con elementos propios del sonido de su tierra.

Faltaba una parte importante: Trasladar a imágenes ese sonido. Para ello convencieron a Iker Iturria, director donostiarra con experiencia en el mundo del videoclip tras trabajar con La Mala Rodríguez, Cupido + Lola Indigo + Alizzz, Alba Reche o Rural Zombies. Con Asier Batiz como productor, el proyecto fue tomando forma gracias a Media Attack. El rodaje tuvo lugar el pasado mes de marzo con la participación de cien aficionados, que se sumaron al proyecto para hacer figuración en las escenas de Miribilla o Casco Viejo. El videoclip tiene como localizaciones La Arboleda, el barrio de Miribilla, Bilbao Arena, los puentes del Arenal y Ayuntamiento, y el monte Pagasarri. Han colaborado en este proyecto Ayuntamiento de Bilbao, Fundación Bancaria BBK, Diputación Foral de Bizkaia, con la producción de Bilbao Basket.
Camisetas Shinova x Bilbao Basket
El lanzamiento de Sua Gara incluye una línea de camisetas. Una retro de mangas realizada por Hummel, camisetas de algodón con Shinova y Bilbao Basket como protagonistas y una nueva Tote bag. Youtube I Facebook I Spotify I Tik Tok.

La formación malagueña entrega una obra que esquiva la complacencia rítmica para morder en la yugular de la ansiedad contemporánea. Este nuevo cancionero rompe inercias a través de seis cortes donde el rock, el afrobeat y la electrónica no operan como un mero adorno estético, sino como el único lenguaje urgente capaz de purgar el ruido interno. Grabado sin los habituales analgésicos de estudio, este lanzamiento llega apuntalado por el magnetismo eléctrico de su vídeo homónimo para plantar bandera en la grieta del mestizaje alternativo y transformar el colapso en pura catarsis colectiva.
Málaga ha parido una obra que se aleja de la complacencia rítmica para abrazar la narrativa del desgarro. Mitad Doble rompe su propia inercia con «Poquito pero bendito», un EP que funciona como una confesión sobre la ansiedad y el desconcierto emocional. La formación abandona los lugares comunes. Bajo la dirección técnica de Miguel Olmedo en Artesonao y con la mezcla de Pablo Senator, el grupo ha logrado un sonido frontal que antepone la verdad de la interpretación a cualquier adorno de estudio. Este trabajo se erige como el primer pilar de un futuro álbum de larga duración, marcando un antes y un después en una trayectoria que ya no busca el aplauso fácil, sino la catarsis colectiva. El pulso de este lanzamiento ha ido revelando una banda en estado de gracia. Tras la inseguridad contenida en «La palabra» y la descarga nerviosa de «No puedo parar», donde el rock colisiona con samples de flamenco clásico para retratar una mente incapaz de detenerse, llega ahora el videoclip homónimo que da nombre al proyecto. «Poquito pero bendito» es una pieza de distorsión que reivindica la felicidad mínima frente al caos cotidiano. Es un tema adictivo que demuestra la capacidad de la banda para transformar el bloqueo en un groove vitalista, logrando que la raíz y la vanguardia convivan sin las costuras habituales del género.

La profundidad de este nuevo cancionero se palpa especialmente en «Escalofrío», una alianza internacional con Gastón Puentes, voz de los uruguayos Cuatro Pesos de Propina, que funde el ska con el metal para narrar la impotencia de un amor agotado. Junto a cortes como «Quién dijo miedo» o «El verano», el repertorio confirma que Mitad Doble ha encontrado su sitio en la grieta. No se trata de un regreso convencional, sino de una declaración de intenciones de una banda que ha aprendido a filtrar la angustia a través de sintetizadores y percusión orgánica para devolverla convertida en luz. Con este lanzamiento, los malagueños demuestran que la música solo es relevante cuando se atreve a mirar de frente a sus propias sombras.
Mitad Doble deja atrás las etiquetas para abrazar una madurez donde el mestizaje ya no es una meta, sino el punto de partida. «Poquito pero bendito» supone la consolidación de un discurso propio que, tras más de una década de evolución, encuentra en la transparencia emocional su mayor fortaleza. Con este EP y el videoclip de su tercer sencillo, la banda malagueña no solo firma su trabajo más ambicioso hasta la fecha, sino que asienta las bases de un futuro álbum destinado a ser clave en la renovación de la escena alternativa nacional. Youtube.

"Espadas en guadañas" es el resultado de la unión entre VVV [Trippin'you] y Erik Urano. Una fusión que no solo tiene sentido dentro del panorama nacional, sino que dialoga con códigos sonoros sin órbita definida. El sencillo nuevo se construye sobre un terreno híbrido donde conviven pulsos de witch house, estructuras cercanas al dubstep y pasajes ambientales que expanden el espacio sonoro. VVV [Trippin'you] firma una base densa, oscura y por momentos asfixiante, donde el ruido se convierte en atmósfera y en lenguaje propio. No hay concesiones: la producción empuja hacia los márgenes, hacia ese territorio donde lo incómodo resulta magnético. En ese contexto, Erik Urano se mueve con precisión quirúrgica. Su rap, afilado y hermético, encuentra un encaje natural, demostrando por qué sigue siendo una de las voces más estrictas y personales del rap nacional. Su escritura no busca la inmediatez, sino la insistencia: barras que se clavan y resuenan, que obligan a volver.

Frente a esa densidad, VVV [Trippin'you] introduce su ya reconocible tratamiento vocal: capas procesadas, casi celestiales, que funcionan como un mantra y contrapeso emocional. El diálogo entre ambos universos -la crudeza verbal de Urano y la abstracción sonora de Trippin'you- construye un equilibrio inestable pero profundamente coherente. El resultado es un tema que desafía etiquetas y expectativas. No es un cruce pensado para suavizar aristas, sino para amplificarlas. Y, sin embargo, hay algo accesible en su propuesta: una invitación abierta a dejarse arrastrar por el ruido, por la repetición y por una intensidad que no busca gustar a todos, pero que termina encontrando su lugar. Youtube I Spotify.

Carolina Durante confirma las bandas invitadas para su gira de arenas para este 2026-2027. Tras años de crecimiento sostenido, directos cada vez más multitudinarios y poseyendo una capacidad única de crear una conexión imbatible con su público, el grupo madrileño pasará por algunos de los recintos más emblemáticos del país cerrando el ciclo por todo lo alto en grandes arenas nacionales: El 26 de diciembre de 2026 tendrá lugar la penúltima fecha en el Bizkaia Arena - BEC! de Bilbao acompañados de las nuevas promesas del rock euskaldun Sal del Coche y la despedida se celebrará el 8 de enero de 2027 en el Movistar Arena de Madrid con los iconos del indie Los Punsetes como banda invitada. Las entradas siguen a la venta en este enlace.

El tercer largo del cuarteto, Elige tu propia aventura (Sonido Muchacho, 2024), ha marcado un antes y un después en la trayectoria de la banda, explorando nuevas sonoridades y sumando varios temas a la extensa lista de himnos con los que ya contaban los madrileños. Canciones como Hamburguesas, Normal o la propia Elige tu propia aventura han conectado de inmediato con la audiencia gracias a su mezcla de desencanto generacional con experiencias personales de emoción, éxito y fracaso gracias a una personal narrativa y a la inclusión de referencias que cualquier seguidor de la banda puede adoptar como propias para convertirlas en banda sonora de su vida. Este "Fin de la aventura" vendrá acompañado de una ambiciosa puesta en escena adaptada a grandes aforos sin renunciar a un ápice de la intensidad, cercanía e identidad que han convertido el directo de la formación en uno de los más celebrados del país. Enlace I Youtube.

Tras reafirmar en Badajoz la solvencia de su quinto trabajo discográfico, el proyecto de Javier Estévez encara la etapa madrileña de su gira. Concebido como un ejercicio de resistencia analógica y compromiso poético, «Salvarnos» continúa su despliegue en directo para reivindicar el rock de autor frente a la inmediatez del algoritmo, confirmando tras su paso por la capital nuevas citas clave en el Teatro Góngora de Córdoba y en la sala La Tregua de Sevilla. El proyecto de Javier Estévez, tras concluir su reciente paso por Extremadura, traslada ahora el foco a la capital. Este encuentro se produce en un momento de madurez para el músico cordobés, quien ha encontrado en su quinto trabajo discográfico, «Salvarnos», un refugio de coherencia frente a la volatilidad del consumo digital. La obra, producida por Pachi García Alis y materializada en el formato físico del vinilo, propone una escucha atenta que huye de la complacencia para sumergirse en un rock de autor de aristas afiladas y una poética que cuestiona el aislamiento en la era de la hiperconexión.

La arquitectura sonora de este álbum se sostiene sobre guitarras de gran tonelaje rítmico y una lírica de compromiso civil donde Estévez, a cargo de la composición, baterías y voces, asume una mirada crítica sobre el desorden contemporáneo. Cortes como «Bajo el suelo» evidencian esa crudeza explícita, mientras que piezas como «La belleza de ser normal» cuentan con la aportación del joven Gael Estévez. El disco se completa con la preproducción vocal y coros de Javier González en temas clave como «Líneas rojas» o «Es hora de cambiar», configurando un ecosistema eléctrico que se apoya visualmente en la fotografía de Esther Mañoso para cerrar un concepto artístico de indudable solidez. En el centro ético de esta entrega se sitúa el sencillo «Jueces en Berlín», una composición que rechaza la inmediatez impuesta por el algoritmo y recupera la palabra como herramienta de justicia poética. Tras el éxito cosechado en las primeras etapas de su recorrido por ciudades como Cuenca, Málaga, Granada, Ciudad Real y la más reciente en Badajoz, Subtónica continúa su itinerario reafirmando el directo como un ejercicio de introspección colectiva. Después de su concierto en Madrid, la Gira Salvarnos 2026 proseguirá su avance con fechas confirmadas en el Teatro Góngora de Córdoba el 11 de junio y en la sala La Tregua de Sevilla el próximo 16 de octubre. Youtube I Facebook.

El amor lo salva todo. Este es el mantra por el que se guía CERVATANA, el primer álbum homónimo del supergrupo que hace unos meses marcaba el inicio de su universo con Cap IV: La Bomba. Conectando el final con el principio, el grupo da forma a un disco conceptual e infinito que traslada al directo con una propuesta implacable de electrónica y baile. CERVATANA se despliega como un western distópico espacial donde la narrativa conceptual y el sonido avanzan de la mano, combinando electrónica de vanguardia y una carga emocional. El álbum gira en torno a una inteligencia artificial insertada en un cuerpo humano que despierta en un planeta arrasado. En ese entorno hostil, el protagonista emprende una búsqueda marcada por la necesidad de sentir, de recuperar unas emociones que pertenecen a una humanidad ya extinta. A partir de este punto de partida, el trío construye un relato que combina ciencia ficción, poesía y una reflexión sobre el amor como último refugio.
En lo sonoro, el disco se apoya en una mezcla de influencias que van desde la electrónica de club hasta el cine y el rock experimental. Referentes como Fat Dog o James Blake conviven con la energía de nombres como Prodigy o Pendulum, dando forma a un universo en tensión constante entre lo orgánico y lo digital, lo íntimo y lo expansivo.

A lo largo del álbum, cada tema funciona como un capítulo dentro de este relato: desde paisajes de desolación -como Cap. II: Amaltea IX o Cap. III: Metis- y atmósferas densas -Cap. V: Parte 1: La Caída o Cap. VI: La Flor- hasta momentos de explosión rítmica y catarsis colectiva -Cap. I: Yocasta o la ya coreada Cap. IV: La Bomba. Las canciones transitan entre el dark ambient, el trip-hop industrial, el pulso del jungle o la electrónica más cruda, construyendo un recorrido que avanza entre tensión y liberación hasta desembocar en un final que, lejos de clausurar la historia, la reinicia una y otra vez.
El proceso de creación se desarrolló en distintas localizaciones, entre Guadalcanal, Mérida y Sevilla, en sesiones caseras que posteriormente se trasladaron a Sputnik Grabaciones Estelares. Allí, junto a Jordi Gil, la banda terminó de producir y mezclar el álbum, cuyo máster ha sido realizado por Brian Lucey (Magic Garden Mastering). CERVATANA es un álbum debut que confirma al grupo como uno de los proyectos más singulares del momento y que encuentra en el directo su forma más contundente.
Sobre CERVATANA: Electrónica, raíz y futuro en un mismo pulso
CERVATANA es el nuevo cruce de caminos entre Miguelito García (Derby Motoreta's Burrito Kachimba), Fran el Punky (Kelia, PuertoHurraco) y Jose Ugía (Derby Motoreta's Burrito Kachimba, Kelia), un proyecto que nace de la amistad y del deseo de explorar nuevas fronteras sonoras. Su propuesta fusiona kraut rock, techno, ambient y big beat en un viaje conceptual que parte del sur peninsular pero apunta al futuro.
El proyecto toma forma en sesiones intensas entre Mérida, Guadalcanal y Sevilla, y culmina en un disco conceptual en el que se narra la historia de un ser híbrido -entre humano e inteligencia artificial- que despierta en un planeta devastado e inicia una búsqueda instintiva. Youtube I Instagram I Spotify.

Portosanto continúan desvelando su primer disco. Tras la publicación de su primer sencillo, 'Ten que haber un sitio para nós', la banda gallega presenta ahora `Vinte de agosto', segundo adelanto de su áltimo dissco. Si el primer sencillo funcionaba como una declaración de intenciones, `Vinte de agosto' se detiene en un momento concreto: ese día que queda suspendido en la memoria, cuando algo termina sin que sepamos muy bien qué es lo que empieza después. La canción nace de esa sensación ambigua entre la nostalgia y la aceptación, convirtiendo una fecha aparentemente cualquiera en un pequeño territorio emocional al que regresar.
En el plano sonoro, Portosanto profundizan en un pop rock de guitarras directo y luminoso, en el que la energía de la banda convive con una cierta melancolía de fondo. Las guitarras marcan el pulso de la canción con un riff claro mientras la base rítmica empuja el tema hacia adelante con una dinámica compacta y natural. La intensidad se construye de manera progresiva, dejando que el estribillo aparezca casi sin darse cuenta y que la canción avance con una sensación constante de movimiento.
Como en el resto del disco, el tema fue grabado en Casa Talisio bajo la producción de Jacobo Naya, que refuerza esa combinación entre claridad e impulso que define el sonido del grupo: guitarras en primer plano, una sección rítmica firme y una voz que se mueve entre la evocación y la determinación.

En la letra, `Vinte de agosto' funciona como una cápsula de memoria. No tanto de una historia concreta, sino de la sensación de que ciertas fechas quedan grabadas en un lugar difícil de explicar y regresan años después con un significado nuevo. La canción se mueve en ese espacio donde el recuerdo, la nostalgia y el paso del tiempo se mezclan hasta convertir una escena pequeña en un momento decisivo.
Curiosamente, el propio título de la canción remite también a un episodio que forma parte de la historia reciente del grupo. El 20 de agosto de 2025, durante la cena de una de las jornadas de grabación del disco, alguien pronunció unas palabras que llevaban más de veinte años guardadas en su memoria: «fenildimetilpirazolona metilamino metasulfonato de sodio». Las dijo Nuno, y provocaron inmediatamente una reacción que nadie en la mesa esperaba. La nostalgia evocada en `Vinte de agosto' queda patente en su videoclip. La pieza audiovisual, dirigida por Xaime Miranda, muestra a los integrantes de Portosanto -Nuno Pico, Andrés Real, Anaís Fernández, Xoel Geada, Simón Cuba- lidiando con la melancolía que transita la canción, trayendo a la memoria la fecha. Youtube I Spotify.

SARATOGA estrena "A Toda Velocidad", segundo sencillo de adelanto de su próximo álbum, "En Estado Puro". La banda, referente indiscutible del heavy metal cantado en castellano, continúa consolidando su trayectoria y evolución con este sencillo nuevo.
Tras acompañar al grupo en diferentes giras por Latinoamérica, con este próximo álbum, Charlie Parra se incorpora como guitarrista oficial de SARATOGA, dando un paso firme dentro de la formación. Esta canción nace de una propuesta compositiva de Charlie Parra, quien demuestra su identidad como guitarrista y su capacidad para crear grandes canciones, integrándose con total naturalidad dentro del sonido característico de la banda. El resultado es una pieza que no solo respeta la esencia de Saratoga, sino que también potencia su energía y agresividad.

Desde los primeros fraseos de guitarra, "A Toda Velocidad" desborda fuerza, imprimiendo un ritmo vertiginoso que se mantiene a lo largo de todo el tema, sostenido por una potente base rítmica. La letra, por su parte, cuestiona aquellos modos de vida en los que algunas personas abandonan sus propios sueños y dejan de luchar por sus ilusiones personales. Con este single, SARATOGA vuelve a hacer gala de su tenacidad y constancia, reafirmando un espíritu que sigue más vivo que nunca. Sin duda, esta nueva canción se convertirá en una pieza imprescindible dentro de su repertorio. "A Toda Velocidad" viene acompañado de un videoclip realizado por Javi Reaktiu y grabado por Maaginen Studios en el directo que la banda ofreció en el Arena Ciudad de México, el pasado 15 de febrero, en el que se captura la intensidad y la conexión de la banda con su público en uno de los escenarios más emblemáticos de Latinoamérica. Youtube.

DAKIDARRÍA lanza su nuevo sencillo, "A primeira estrela que saia". Esta es una canción que Gabri escribió para su hija Sara. Con un estilo musical que saca, una vez más, a DAKIDARRIA de su zona de confort con unas sonoridades diferentes a las que nos tienen acostumbrados.

Emotiva, impactante y poderosa canción que intenta reflejar amor incondicional al mismo tiempo que fuerza y naturalidad ante los cambios de la vida. "Fue, con diferencia, la canción más dificil de escribir de mi vida porque son muchos sentimientos resumidos en pocas frases." Youtube.

"Why Don't You" es el single y video que coincide con el lanzamiento oficial del álbum `Trixies' de Squeeze. El tema fue compuesto en 1974, cuando Glenn Tilbrook y Chris Difford tenían tan solo 16 y 19 años, respectivamente. Las maquetas de aquellas iniciarías grabaciones permanecieron guardadas durante 50 años, mientras Squeeze, años después, consiguieron el éxito en la escena Rock, Post-Punk y New Wave en todo el mundo, con otras grandes canciones.
`Trixies', el disco abandonado al nacer, se ha grabado ahora, con todo el virtuosismo y experiencia musical que la banda posee, y "Why Don't You" es una muestra perfecta. Un tema divertido con un estribillo muy Glam `70 que te recordará a T-Rex, David Bowie, The Sweet o Mott The Hoople
. EL DISCO "ABANDONADO AL NACER"
Cuando se trata de contar buenas historias o leyendas, hay muy pocas bandas de Rock y de Pop que tengan una leyenda real, hoy en día, como la de los míticos Squeeze. Pero incluso a los compositores principales del grupo, les costaría imaginar un giro argumental como el que ha dado como resultado `Trixies', el primer álbum que escribieron cuando empezaban -hace 50 años- cuando se conocieron, en los primeros años 70. Chris Difford con 19 años y Glenn Tilbrook con 16 años, compusieron un disco completo juntos. Era 1974 -antes de publicar su disco debut `U.K. Squeeze' de 1978- pero nunca se atrevieron a grabarlo, por ingenuidad, falta de recursos e inexperiencia. Y ese disco, esos temas, han estado guardados cinco décadas, hasta ahora que los han grabado y ve la luz, bajo el nombre de `Trixies'. Un disco conceptual, una Ópera Rock, como tantas creadas en aquellos años, pero con la experiencia que ahora tienen. Tras años de éxitos y de ser reconocida como una banda icónica del Rock y Pop británico, en todo el planeta.
Antes de que se publicaran clásicos representativos de Squeeze y de la mejor música británica como "Up The Junction", "Tempted", "Cool For Cats", "Another Nail In My Heart" y "Labelled With Love", antes de ganar el prestigioso Premio Ivor Novello de 2008 por su Sobresaliente Contribución a la Música y Cultura Británica, antes de recibir el premio "Icono" de la revista Mojo, antes del emblemático Cradle To The Grave, antes incluso de las giras mundiales y las actuaciones memorables en festivales, y por supuesto antes del aclamado The Knowledge de 2017 y antes de tener 1 millón de oyentes mensuales de Spotify, ellos había escrito las canciones de `Trixies', pero nadie las había escuchado.

Estas canciones son una colección de historias ambientadas en un club nocturno ficticio, (el) `Trixies'. Canciones escritas por dos adolescentes al poco de conocerse y empezar a tocar y componer juntos, en la gloriosa época de los álbumes conceptuales, con el ingenioso lenguaje del submundo del escritor del mejor Broadway neoyorquino Damon Runyon. El contenido de aquellas canciones con escenas del crimen como "The Place We Call Mars" y "Don't Go Out In The Dark"; la desenfrenada y seductora "Why Don't You"; o la evocadora pieza acústica "You Get The Feeling", nos lleva a 1974 y la visión musical de los jóvenes creadores superaba su virtuosismo. Cincuenta años después, y tras haber redescubierto la cassette original, ese problema ya no existe para la banda. Ahora firman conciertos en directo legendarios, Además desde su reunión en 2007 han ofrecido más de 600 conciertos.
"Nos dedicamos por completo a componer, esto sucedía tres o cuatro años antes de que grabáramos nuestro primer disco. Resumiendo, eran canciones para las que simplemente no teníamos la experiencia musical suficiente para grabarlas en condiciones", explica Difford. "Las canciones que compusimos entonces me asombran. Estoy orgulloso plenamente de ellas ahora, y especialmente orgulloso de que fuéramos nosotros, tan jóvenes, quienes las compusimos. Son las mismas canciones que escribimos entonces", dice Tilbrook. "La única diferencia es que ahora puedo enseñárselas al resto de la banda. ¡En aquel entonces, ni siquiera sabía cómo se llamaban aquellos acordes!".
"Revisitar las canciones de Trixies me emocionó hasta las lágrimas", comenta Tilbrook con una sonrisa, "en parte porque son buenísimas, pero también porque soy consciente de todo lo que aún me queda por escuchar y componer". Difford comparte este sentimiento: "Me llena de alegría descubrir, a mi edad, que escribimos canciones tan geniales cuando éramos adolescentes. Estoy muy orgulloso de ello". El disco completo puede disfrutarse a través de este enlace. Enlace I Youtube.

Sex Museum presenta su nuevo sencillo "Rocking in the free world", una personal y arrolladora versión del clásico "(Keep on) Rockin' in the free world". Con este lanzamiento, la legendaria banda madrileña reivindica su intachable trayectoria de 40 años manteniéndose en los márgenes de la industria musical. Cuatro décadas ofreciendo sin descanso su directo más explosivo en salas y festivales underground, siempre con la cultura alternativa y la independencia por bandera. Todo un alegato sonoro para estos tiempos convulsos, donde la catarsis colectiva que se respira en sus conciertos de máxima intensidad resulta más necesaria que nunca.

Este nuevo corte funciona además como un homenaje al gran Neil Young. El músico, que ha cumplido 80 años, es reivindicado por la formación como un auténtico faro de honestidad y coherencia en la música; un personaje combativo y libre que ha dedicado su vida al amor por el rock y a la lucha contra el poder represivo y fascista del imperialismo político y económico. La canción llega como un regalo a los fans más incondicionales del grupo y a los amantes del rock en general. Youtube I Facebook I Instagram.

"Príncipe Daniel" es el nuevo sencillo de Carey, una canción que nace de sus viajes a México, un país que les ha permitido crecer espiritual y musicalmente. La canción suena a una mezcladesenfadada, ecos clásicos de Chavela Vargas y José Alfredo Jiménez combinados con la energía de Molotov y Plastilina Mosh, todo ello envuelto en un aire de chanson europea que aterriza por tangos en un corrido mexicano.
La inspiración del tema surgió de una anécdota real. Tras una noche saliendo del mítico salón Tenampa junto a Erik Canales (cantante de la banda Allison), decidieron ir al Arena de México a ver lucha libre. Allí, entre cervezas y amigos, quedaron cautivados por Príncipe Daniel, un luchador sin máscara que se partía la cara a favor de los técnicos frente a las sucias artimañas de los rudos, y por la aparición en el ring de la estrella emergente Bella Catalina. A la mañana siguiente, con el sol saliendo en la Colonia Roma, todas esas historias del Santo, el mezcal y los mariachis tomaron forma de canción.
Para capturar esta esencia mexicana, la banda contó con el Grupo Mariachi Nacional de México de Antonio Covarrubias, grabados una tarde de abril en los estudios Topetitud (propiedad de Molotov) en Coyoacán. Estos arreglos dialogan con las cuerdas, percusiones y fliscornios grabados en España por sus músicos habituales, Aurelio Ortega, Juan Rubio y Ramón López. Además, el lanzamiento se completa con un videoclip oficial grabado en el salón Tenampa.

Con una letra que evoca al Sabina de finales de los 90 o a las históricas incursiones latinoamericanas de Serrat, referencias que la banda recibe con inmenso orgullo, "Príncipe Daniel" sirve como una postal sonora de Ciudad de México y una despedida temporal llena de gratitud hacia un país que los tiene atrapados. Este lanzamiento viene acompañado de una de una versión acústica grabada en el mítico Tenampa en Ciudad de México, dirigido por Jacobo Camargo.
Carey es uno de los proyectos más singulares y con mayor personalidad del panorama actual. Formado por aaronsaez (compositor, músico, escritor y miembro del grupo Varry Brava) y Antonio Turro (guitarrista, profesor del Conservatorio Superior de Cartagena y concertista), el dúo ha construido una propuesta que bebe de la tradición popular y la reinterpreta desde la modernidad (habanera, tango, bolero, copla, cuplé, jazz) y músicas de ida y vuelta conviven en un lenguaje propio, emocional y rotundo.
Su discografía incluye 'Estamos Hablando de Tigres' (2023), un debut que asentó su imaginario sonoro, y 'La Casa Rosa' (2024), grabado en los Estudios PM de Pablo Milanés en La Habana junto a músicos imprescindibles como Pancho Amat o Miguel Núñez. Este álbum supuso un viaje de investigación y renovación del género de la habanera, conectando tradición, riesgo y modernidad, y les llevó a presentar su directo en ciudades de España, Francia y México. Youtube I Instagram I Spotify.

Chico Infierno es una banda vasca de Rock liderada por Pako Ramos, músico de larga trayectoria de la escena Rockera y Bluesera y conocido por su paso por formaciones como Brutal Melody, Bad f-Line o Governors. Tras años de carretera y experiencias acumuladas, Ramos decidió dar un giro a su carrera y comenzar desde cero. Nuevo nombre y nuevos compañeros de viaje, dando vida a este innovador proyecto cargado de pasión, energía, llamas y una visión original y personal del Rock And Roll. En la aventura le acompañan músicos como Lemy River, Heloy Galán, Igor Letona y Adriano Silva, compañeros de viaje que han contribuido a dar forma al sonido Rockero, sólido, auténtico y potente que caracteriza el incendio bajo un tridente, que provoca la banda. El videoclip es obra de la productora audiovisual Bideolan (Kase.O, Soziedad Alkoholika, Neomak, La Excavadora,?) y en sus imágenes han sabido captar ese ambiente del Blues-Rock, puro, original y destilado, a la vez que cercano e intimista.Con blancos, negros, sombras, luces, efectos, ... que le dan a "Tu Voz" y en general a Chico Infierno, su personalidad.

Chico Infierno combina la crudeza de una hoguera de Rock clásico, con brasas del Blues de raíz y un sonido actual y muy trabajado en el local de ensayo. Curtidas letras y un directo que conecta y desprende fuego desde los primeros acordes. Chico Infierno aborda la actualidad con la próxima publicación de su segundo álbum, del cual están comenzando a mostrar calientes anticipos a modo de sencillos y videos como "El Gran Circo de Ilusiones" y "Tu Voz" . Más allá del estudio, Chico Infierno, reconocidos dentro y fuera de Euskadi, por donde han pasado sus giras, son llamaradas de Rock And Roll en estado puro, con riffs de guitarra, marcadas bases, vertiginosos punteos y una voz muy personal, que narra historias que harán pensar. Youtube.

BMG publica una versión hasta ahora inédita de `Cuerpo y corazón', uno de los temas más valientes y transgresores de Mecano y del pop español. Este lanzamiento, que coincide con San Valentín, es una de las varias grabaciones inéditas y maxisingles que la discográfica de Mecano está publicando por primera vez en plataformas digitales. Este tema, incluido en Ana / José / Nacho, fue el último maxi single publicado por la banda y uno de los más celebrados por su lírica directa y su producción. A través de una poesía cruda y profundamente humana, la canción da voz a una mujer que vende su cuerpo -y su corazón- cada noche, cuestionándose al amanecer si aún es capaz de sentir.

Mecano volvía una vez más a tratar temas poco escuchados en las canciones de la época y a mezclar el pop universal con letras sugerentes y aventajadas. Cuestiones actuales como el amor (o la falta de él), el cuerpo, el deseo, la soledad o el romanticismo impuesto ya estaban presentes en la discografía del grupo mucho antes que otros músicos coetáneos. Este lanzamiento hasta ahora inédito en plataformas digitales incluye un remix y la versión acústica de este. BMG continúa reviviendo y visibilizando en la era digital joyas ocultas en la discografía del grupo más influyente del pop español. Con este nuevo lanzamiento, la discográfica pone el foco en una canción adelantada a su tiempo, incómoda y luminosa, que sigue resonando décadas después. Youtube.

Liderada por la cantante Eno Williams (nacida en Londres, pero de ascendencia nigeriana), Ibibio Sound Machine es una formación (de ocho componentes) que hace colisionar elementos de inspiración africana y electrónica, con ecos de la era dorada del funk de África occidental, del sonido disco y de los más modernos post-punk y electro. ¿Afro-beat-electro-pop? Podría ser una definición. En sus letras se mezclan evocaciones de imágenes poéticas nigerianas con conciencia política, algo que puesto frente a la tensión de sus paisajes afro-electro genera un espacio único de afrocentricidad. El grupo ha encontrado su groove y sabe cómo hacerlo correr en cualquier dirección, siempre con el control de la situación. En la instrumentación, la percusión camina por delante, mientras por detrás los arreglos son variados y ambiciosos, con cada tema retorciéndose a través de cambios de ritmo y riffs de espalda contra espalda, como si fuera un ser vivo. La voz de Eno Williams, excitante, canta tanto en ibibio (lengua nigeriana) como en inglés. Tienen cinco álbumes publicados, los cuatro últimos en el sello Merge Records: su debut homónimo, de 2014, "Uyai" (2017), "Doko Mien" (2019). "Electricity" (2022) -este producido por Hot Chip- y "Pull The Rope" (2024).
Por su parte, Emma-Jean Thackray es una realidad del jazz de su país que está en boca de todos. Y más todavía tras editar en abril de 2025 su segundo disco, "Weirdo" (en el sello Brownswood Recordings, el de Gilles Peterson, bajo la licencia de Warner Music UK). Visionaria productora, compositora y multiinstrumentista (con la trompeta como principal aliada), conocida por desafiar los límites musicales, con "Weirdo" se ha zambullido en una exploración personal y original del duelo y la gratitud. Lo ha hecho con una mezcla ecléctica de influencias (grunge, pop, soul, P-funk y jazz) que suena a celebración triunfal de la supervivencia y la individualidad. Escrito, interpretado, grabado, mezclado, producido y arreglado íntegramente por Thackray en su apartamento del sur de Londres (ella nació en Leeds), el álbum es un testimonio de su musicalidad y su autoexpresión.

A lo largo de su carrera, Emma-Jean ha ido creando un sonido muy espiritual que la lleva al jazz fusión y al jazz-funk de la década de los setenta y desde ahí ella genera una versión de jazz moderno, particularmente orientada hacia la pista de baile. Seguidora del taoísmo, ha descrito su visión creativa de la siguiente manera: "Todo lo que publico gira alrededor de un mantra musical para mover la mente, el cuerpo y el alma". Ya con sus dos primeros EP, "Walrus" (2016) y "Ley Lines" (2018), recibió críticas entusiastas de nombres como Gilles Peterson, Theo Parrish y Jamie Cullum. Luego ha publicado dos más, así como un disco de debut, "Yellow" (2021), que llegó al número 1 de las listas británicas de jazz y al tercer puesto en las de discos independientes. Un mes antes, en junio, tras su actuación en el programa de la BBC Two "Later... With Jools Holland" había sido fichada por la rama británica de la discográfica Warner (aunque "Yellow" todavía salió en su propio sello, Movementt). Y, finalmente, con "Weirdo" (2025) ha rematado la faena. Sirva este ejemplo: "Con composiciones intrincadas, emoción cruda y una autenticidad inquebrantable, `Weirdo' es más que un álbum; es una obra maestra de resiliencia, una celebración de la individualidad y un audaz salto hacia adelante para un artista en la vanguardia de la música británica" (Tinnitist). Youtube.

Portosanto es un grupo gallego formado por Anaís, Andrés, Nuno, Simón y Xoel, los mismos integrantes que compartieron una larga trayectoria musical en una etapa anterior bajo el nombre de Oh! Ayatollah. Hoy se presentan como un proyecto nuevo, con identidad propia y una mirada que asume el pasado sin instalarse en él. Más que un regreso, lo suyo es un comienzo consciente: cinco músicos que se conocen lo suficiente como para tensar, cuestionar y afinar cada idea hasta convertirla en algo común. `Ten que haber un sitio para nós' funciona como núcleo conceptual del disco que llegará en primavera. La canción aborda ese desconcierto que acompaña al hacerse mayor: crecer y descubrir que las certezas prometidas no aparecen, que el futuro no era como lo imaginábamos. En uno de sus versos centrales, la banda insiste en la idea que articula todo el tema: «ten que haber un sitio para nós». No es una consigna grandilocuente, sino una afirmación casi susurrada desde la duda. Una frase que suena más a necesidad que a eslogan. En el plano sonoro, Portosanto apuestan por un pop de guitarras luminosas y afiladas, en diálogo con nombres como The Homens o Blur. El tema avanza sobre un riff reconocible desde los primeros compases, sostenido por una base rítmica firme y una estructura que crece sin perder contención. No hay explosiones innecesarias: la intensidad se construye desde la repetición y la insistencia melódica, dejando que el estribillo cale poco a poco.

La producción de Jacobo Naya en Casa Talisio refuerza esa idea de claridad y tensión equilibradas. Las guitarras ocupan el primer plano, nítidas, mientras la voz se mueve entre la vulnerabilidad y la determinación. El resultado es una canción directa, con vocación de himno íntimo, que encuentra luz precisamente en el reconocimiento de la incertidumbre. Hay también en este primer adelanto un leve trasfondo generacional. Portosanto pertenecen a una hornada que comenzó a publicar música en un momento distinto al actual, cuando el contexto de la escena gallega era otro. Hoy, en un panorama más amplio y diverso, su propuesta no busca encajar en ninguna etiqueta concreta, sino reivindicar el espacio propio desde la honestidad y la experiencia acumulada.
`Ten que haber un sitio para nós' no ofrece soluciones cerradas. Lo que propone es una búsqueda compartida. La convicción de que, aunque las preguntas sigan abiertas, merece la pena formularlas en voz alta y convertirlas en canción. Este single es la primera pieza de un álbum homónimo que verá la luz esta primavera y que ampliará esa exploración emocional y sonora. Portosanto no prometen respuestas definitivas. Pero sí canciones que avanzan, incluso cuando el horizonte no está del todo claro. Porque a veces la única certeza posible es seguir remando. Youtube I Spotify.

Levitants presentan "Fondo de pantalla", la primer adelanto de su nuevo disco en castellano de la banda vallisoletana. Este tema representa el espíritu del nuevo trabajo de la banda, un pildorazo vibrante que inaugura esta nueva era. "Fondo de pantalla" hace de la autocrítica su estandarte y convierte la ironía en un mantra antídoto ante la pereza en la vida en general y el amor en particular. La canción, cuya melodía de voz y letra nacieron como una especie de road movie sonora durante un solitario viaje de vuelta a casa, es una llamada a la acción para tomar las riendas de tu propia vida.
En lo musical, con un sonido mucho más personal que en trabajos anteriores, sorprende encontrar un filón bailable inédito hasta el momento en la banda. Inspirado en los ritmos motorik de bandas como los LCD Soundsystem más orgánicos, DIIV o clásicos del kraut rock como NEU!, el tema junta marcialidad y potencia con la confesionalidad y rabia contenida de la voz. Una equilibrada mezcla de post-punk, rock alternativo de los 90 y new wave ochentera que confirma la personalidad propia del grupo, algo que ya destacó Paul Banks (Interpol) en Radio 3.

El tema ha contado con la producción de Javier Vielba (Arizona Baby, Corizonas) y se grabó en el verano del 2025 en directo y con todos los músicos tocando en la misma sala en los estudios La Mina (Granada), con Raúl Pérez como ingeniero de la grabación y la mezcla. El máster lo ha realizado Mario G. Alberni (Kadifornia). "Fondo de pantalla" sirve como perfecta carta de presentación de lo que está por venir, una identidad sonora más madura y ambiciosa. Las nuevas canciones profundizan en la ansiedad ante el futuro incierto de una generación de nuevos adultos que no quieren serlo y que se encuentran estancados en la constante búsqueda de autoafirmación. Mientras tanto el grupo calienta motores con estos conciertos pre-gira.
LEVITANTS
Levitants es un grupo vallisoletano que se dieron a conocer en 2019 con el lanzamiento de "Enola", su primero álbum gracias al elogio comparativo con bandas como Interpol, The Cure o Joy Division; un honor ratificado por Paul Banks (Interpol), quien afirmó en Radio 3 que su sonido le parecía "único e increíble". Pronto llegaron las entradas agotadas en salas como la Sol y su paso por escenarios como la Plaza del Trigo del Sonorama o Mad Cool, confirmando su potente directo. Su paso al castellano supuso una revolución, apuntalada con éxitos de alto gramaje como "Adelante" en "Futuro Inmediato" (2023). Tras una exitosa gira con casi 100 fechas, Sergio Isabel decidió parar con un objetivo claro: componer el mejor disco de su historia. Ese trabajo, producido por Javier Vielba (Arizona Baby) y grabado totalmente en directo en La Mina (Granada), marca el inicio de una nueva y ambiciosa etapa para la banda. Youtube I Spotify.

DELALMA ha vuelto a alzar un vuelo que se presume complejo y lleno de extraños vericuetos. Jesús Cámara, Dave Landeroin y Manuel Seoane compartirán esta nueva etapa con siete personalidades de la voz a nivel internacional: Ronnie Romero, José Andrëa, Carlos Escobedo, Patricia Tapia, Vito Íñiguez, Tete Novoa y un nuevo talento a descubrir, Fran Rivas; tratándose, sin lugar a dudas, del momento más ambicioso de la banda. Conceptualmente hablando, este nuevo doble lanzamiento continúa la historia de Lázaro, que tras echar todo por tierra en el anterior trabajo de la banda, quitándose hasta su propia vida, llega a un mundo de tinieblas; a una comitiva de almas en pena, entre dos mundos, que él mismo lidera. Es la Santa Compaña. En ella encontrará a gente que hizo de su pasado la triste realidad de hoy. Ellos serán quienes ayuden, o no, a salir del agujero mental en el que Lázaro habita para así regresar a su hogar; un hogar que el protagonista jamás reconocerá como suyo. Toda la trama es tratada de una manera metafórica, centrándose el trasfondo del mensaje en esa interna lucha mental que algunos seres humanos cargamos en nuestra espalda de manera más abrupta que en otros casos.

Es de esta manera que cada uno de los siete cantantes da voz a cada uno de los siete personajes que aparecen en esta obra conceptual. En ella se podrán diferenciar de manera clara la existencia de dos personajes principales que serán Lázaro y su némesis; él mismo, El Mirlo, representados por Ronnie Romero y José Andrëa. El resto de participantes ayudarán a crear diferentes atmósferas a lo largo de la obra.
DELALMA inicia una nueva forma de poner sobre la mesa todo aquello que tienen por decir. Un universo creado a imagen y semejanza de todo aquello que su compositor lleva dentro y para el cual se rodea de las mejores y más características voces de la música que nos mueve en cada nueva obra que estrena el grupo. Youtube.

AWAKATE es una banda murciana formada en 2019 que fusiona ritmos latinos y folclore del sureste español con rap y electrónica. Ellos mismos definen su propuesta como `mestizaje urbano': rap, drum'n'bass, afro/latino y bases electrónicas que se entrelazan con raíces murcianas y latinas. En sus letras el grupo aborda identidad, raíces y crítica social, sin perder la celebración y el sarcasmo, todo ello combinado con un enfoque festivo, fresco y contemporáneo, reflejo del día a día de sus integrantes. En directo, AWAKATE despliega un espectáculo de siete músicos: dos voces al frente, trombón, guitarra, bajo y percusión, más DJ y producción de luces. El resultado es una experiencia bailable.
En sus primeros tres años superaron el medio millón de reproducciones y sumaron colaboraciones con JazzWoman, La Fúmiga, Soge Culebra, Road Ramos o Jamones con Tacones. Hoy su comunidad continúa al alza (~16k oyentes mensuales en Spotify, más de 12.000 seguidores en redes y 2.000.000+ de reproducciones en plataformas).

En 2021 publicaron La Salsa, con gira nacional -incluida la reapertura de Garaje Beat Club (Murcia) y paso por Razzmatazz (Barcelona) En 2023 lanzaron Culpable, un segundo LP que consolida su sonido y su discurso. Su expansión se evidencia en una presencia creciente en salas y festivales: ciudades como Madrid, Valencia, Murcia, Barcelona, Sevilla o Bilbao, y citas como La Mar de Músicas (Cartagena), Pirata Beach Festival (Gandía) o Juergas Rock Festival (Adra). Actualmente la banda se encuentra preparando su tercer LP.
Awakate es una banda murciana de mestizaje urbano que fusiona ritmos latinos, folclore y sonidos electrónicos. Con un directo arrollador y letras cargadas de mensaje social, su estilo "tropikal" conecta con todo tipo de públicos. Más de dos millones de reproducciones y una creciente comunidad digital avalan su energía imparable. Te gustarán si te gustan Zoo, La Gossa Sorda, La Raíz. Para más información sobre las fechas de la gira, mirad nuestra Agenda de conciertos. Youtube.

Hombres G, una de las bandas más queridas y emblemáticas de la música española, anuncian la gira Los Mejores Años de Nuestra Vida 2026, que llegará a la Plaza de Toros de Granada el 19 de septiembre de 2026. La venta general comenzará el 28 de noviembre a las 10:00h a través de Ticketmaster y El Corte Inglés. Se trata de un acontecimiento especial que acompaña el largometraje documental homónimo que llegará a cines el 30 de abril de 2026. Un original de Movistar Plus+ dirigido por Charlie Arnaiz y Alberto Ortega que propone un viaje emocional y musical a través de la historia y el presente del grupo. Un relato en el que la experiencia, la energía y la conexión con su público se entrelazan para mostrar que el mejor momento de Hombres G es ahora.
Esta gira es una reivindicación del presente y toda una declaración de intenciones. Es un regalo para todos esos fans, fieles y de múltiples generaciones, que siguen llenando recintos y coreando sus canciones.
"Queremos que esta gira sea una fiesta. Un homenaje a todos estos años vividos juntos, y a todo lo que aún nos queda por disfrutar. Porque creemos, de verdad, que estamos viviendo los mejores años de nuestra vida. Y esto es, sencillamente acojonante" - Hombres G.

Tras más de 40 años de carrera, millones de discos vendidos y un legado en la historia de la música en español, David Summers (voz y bajo), Rafa Gutiérrez (guitarra), Dani Mezquita (guitarra) y Javi Molina (batería) conforman una de las bandas más sólidas de la escena pop-rock nacional y es una de los pocas que conservan su formación original. Con las ganas intactas de continuar tocando en directo, esta primavera Hombres G hizo historia en Latinoamérica con Gracias, México-Perú Tour, que reunió en solo cuatro conciertos a más de 200.000 fans. El grupo llenó el Estadio GNP Seguros de Ciudad de México, con capacidad para 70.000 personas, el Estadio Banorte de Monterey, el Estadio 3 de Marzo de Guadalajara y el Estadio Nacional de Lima, consolidando su posición como una de las bandas más influyentes de habla hispana.
FECHAS HOMBRES G - GIRA LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRA VIDA
16 mayo - Albacete - Plaza de Toros
23 mayo - Castellón - Recinto de Ferias y Mercados De Castellón
19 junio - Córdoba - Córdoba Life
3 julio - Sevilla - Icónica Santalucía Sevilla Fest
9-11 julio - Portas - Festival Portamérica
11 julio - Gijón - Way! We Are Young
17- 18 julio - Castro-Urdiales - Festival Sonórica
25 julio - Palma de Mallorca - Son Fusteret
1 agosto - Fuengirola - Marenostrum Fuengirola
12 agosto - Chiclana de la Frontera - Concert Music Festival
20-23 agosto - Almeria - Cooltural Fest
29 agosto - Alicante - Área 12
18 septiembre - Guadalajara - Estadio Fuente de la Niña
19 septiembre - Granada - Plaza de Toros
3 octubre - Barcelona - Palau Sant Jordi
9 octubre - Murcia - Murcia On
14 noviembre - Valencia - Roig Arena
21 noviembre - Zaragoza - Pabellón Príncipe Felipe
28 noviembre - Pamplona - Navarra Arena
5 diciembre - A Coruña - Coliseum
12 diciembre - Madrid - Movistar Arena. Enlace.

Hace treinta años la ciudad de San Sebastián vio nacer a uno de los grupos más reconocidos internacionalmente. La Oreja de Van Gogh tocaba sus primeros acordes, componía sus primeros temas y cantaba sus primeras canciones en el local de ensayo que, tres décadas después, sigue viéndoles crecer. Tras el reencuentro con Amaia Montero, el grupo anuncia ahora una gira de lo más especial que recorrerá los principales escenarios españoles en 2026.
LA giraarrancará en el mes de mayo con un espectáculo que incluirá sus grandes éxitos: 'Cuídate', 'La Playa', 'Puedes contar conmigo', 'Rosas', '20 de enero', entre otras. Todas esas canciones que, 30 años después, siguen latiendo bien fuerte en la memoria colectiva y que llegarán a ciudades como Bilbao, Madrid, Albacete, Murcia, Sevilla, Fuengirola, Gijón, Donostia / San Sebastián, Santander, Valladolid, Valencia, A Coruña, Zaragoza, Barcelona y Pamplona.

Los precios de las entradas oscilarán entre los 45,00? y los 72,00? + gastos de distribución y, los paquetes vips, entre los 110,00? y los 290? + gastos de distribución. 'Tantas cosas que contar' es el nombre elegido para esta gira que, además de ser un homenaje al grupo, supone un guiño a uno de sus álbumes más emblemáticos: 'El viaje de Copperport', que en 2025 cumple 25 años.
"Volver a estar juntos es mágico para nosotros y necesitamos compartirlo. Hoy más que nunca queremos salir al mundo con nuestras canciones bajo el brazo, ser miles durante una noche y cantar con vosotros que la vida es una vez, que es aquí y que es ahora".
Primeras fechas anunciadas de esta gira
9 mayo. BILBAO. Bizkaia Arena BEC!
28 y 29 mayo. MADRID. Movistar Arena
6 junio. ALBACETE. Estadio José Copete
13 junio. MURCIA. Plaza de Toros
26 junio. SEVILLA. Live Sur Stadium
27 junio. FUENGIROLA. Marenostrum Fuengirola Escenario Unicaja
10 julio. GIJÓN. Gijón Life
31 julio. DONOSTIA. Illunbe Donostia Arena
21 agosto. SANTANDER. La Virgen del Mar
27 agosto. VALLADOLID. Pingüinos Arena
4 septiembre. VALENCIA. Roig Arena
11 septiembre. A CORUÑA. Coliseum
9 octubre. ZARAGOZA. Pabellón Príncipe Felipe
6 noviembre. BARCELONA. Palau Sant Jordi
20 noviembre. PAMPLONA. Navarra Arena. Enlace.

Maná, la banda mexicana de rock en español, ha sido nominada al Salón de la Fama del Rock & Roll, convirtiéndose en el primer grupo de habla hispana en alcanzar tan importante reconocimiento. Esta distinción los coloca junto a un selecto grupo de artistas de renombre mundial, siendo un reconocimiento a su impacto y legado en la música. La nominación no sólo destaca la trayectoria de Maná, también representa un hito ya que este lugar exclusivo cuenta con una presencia casi nula de artistas latinos, teniendo sólo en su lista los nombres de Santana y Richie Valens. Nominaciones como esta son históricas, ya que abren las puertas a una mayor representación hispana en un espacio dominado tradicionalmente por artistas anglosajones.
Maná ha dejado claro que este logro es para todos los latinos del mundo, especialmente para aquellos que en las últimas semanas están enfrentando grandes dificultades: los inmigrantes. Se trata de un gran honor para el grupo y toda la comunidad latina que, a través de este logro, ve reflejada su importancia y poder en la industria musical.

El Salón de la Fama del Rock & Roll, ubicado en Cleveland, Ohio, es una de las instituciones más exclusivas y prestigiosas en la historia de la música. Este momento es el primer paso. Maná aún deben seguir un proceso para ser inducidos formalmente en el Salón de la Fama, pero el hecho de ser nominados representa un logro y un fuerte reconocimiento a su carrera. Tras la nominación, inicia un proceso de votación en el que participan artistas, expertos de la industria y el público. Este proceso definirá qué artistas finalmente serán inducidos a la legendaria sala donde han sido consagrados nombres como The Beatles, Rolling Stones, Nirvana, Elvis Presley y Queen. Youtube.