Ulises Messner pega un tirón al mantel de una mesa repleta de copas. Canción de Amor es una descarga de rabia, suena a clásico, a furia contenida que explota. Nos encontramos ante el cuarto adelanto de lo que nació pretendiendo ser un EP, pero que se confirma como la cuarta entrega de una colección de canciones que formarán el segundo LP del cuarteto madrileño. Esta canción es una visión de un sentimiento romantizado que conecta con el lado menos conocido del mismo, el más visceral. Esta es la particular visión de Ulises Messner de uno de los motores que mueven un mundo, especialmente convulso en los últimos tiempos.
Ulises Messner se consolida como banda de directo, tras un inicio en solitario del proyecto de César Domínguez, veterano músico madrileño con una trayectoria al frente de bandas como Ítaca o El Alpinista. ("Mundo Pequeño" Universal 2006, "El Atasco Universal" Warner Music 2008). En esta nueva andadura, la formación se presenta con Roberto Aracil a la batería, (Buenas Noches Rose, Pereza), Josele Luna al bajo (Anaheim, The Habit of the Rabbit), y Oscar Ligos a la guitarra, compañero de César en sus anteriores formaciones.
Tras haber publicado varios sencillos, un LP y 2 versiones durante el periodo de 2021 - 2023, en 2024 la formación ya asentada como banda ha publicado tres adelantos: "Háblame de ti", "En Espiral" y "Babel" de lo que será su segundo trabajo de larga duración, todos ellos siempre bajo la producción de Carlos Hernández Nombela (Pereza, Planetas, Viva Suecia, Triángulo de Amor Bizarro).
El proyecto fuerte en directo con una propuesta ha formado parte del cartel de festivales como Sonorama Ribera 24, Blondy Rock y han estado presentes en la programación de eventos como las Fiestas del Distrito Villa de Vallecas en Madrid.

Un tema como Canción de Amor no podía pasar sin tener un soporte visual a la altura. La historia que nos ocupa es una apuesta por un entrono distópico decadente situado en el año 2050. Recordando a películas del género (Mad Max, Max Payne), la puesta en escena y el entorno elegido nos sumergen en una trama sencilla. Unas localizaciones seleccionadas consiguen meternos en el paseo futurista del protagonista que, acompañado de su mascota tecnológica voladora, recorre diversos rincones en busca de tesoros escondidos.
La estética del video, así como el vestuario a cargo de Cuarto Ropero, han sido cuidados. El vídeo regala una sorpresa en el paseo del caminante futurista, que se redescubre tras conseguir abrir la puerta de un contenedor metálico. La trama discurre entre continuos micro fallos temporales, y en este sorpresivo final, el salto en el tiempo nos presenta a la banda al estilo Peaky Blinders. Este vídeo es un trabajo enérgico y eléctrico a la altura de un tema como Canción de Amor. La dirección, realización y posterior montaje corren esta vez a cargo de Ignacio C. Alvarez, un artista multidisciplinar. Youtube I Facebook I Instagram.

Julieta arranca una nueva etapa con Taxi, una píldora de pop con la que avanza hacia su nuevo álbum. Se llamará 23 -los años que ella tiene- y temas como el que estrena este disco promete. La cantante y compositora barcelonesa reúne todos los ingredientes para convertirse en la nueva diva del pop.
La letra del disco refleja la esencia de liberación de una mujer con vocación de heroína, una artista completa decidida a convertirse en una de las voces revelación de la música pop.

Fue la propia Julieta a través de sus redes sociales quien anunció días atrás el nombre de su nuevo trabajo, después de un 2024 provechoso con Tu Juru la Ju Tour, una gira que albergó más de 50 conciertos y un final que consiguió agotar entradas dos meses antes del concierto. Su nueva gira arranca el 24 de abril en Lleida, para abrir una temporada con 15 actuaciones confirmadas y que incluye citas en Warm Up de Murcia, Share Festival de Barcelona, BBK Live de Bilbao y Brava Madrid de la capital, con muchas fechas por confirmar. Julieta da ahora un paso más allá con temas como Taxi, reafirmando su apuesta por el pop. Youtube I Instagram I Spotify I Tik Tok.

Decenas de conciertos a sus espaldas gracias a su álbum Asfalto y Cereal y elegidos para formar parte de la última edición de Girando por Salas, han situado a The Son of Wood en una de las formaciones a tener muy en cuenta en el 2025, que les llevará a estar presentes en las próximas ediciones de SanSan Festival.
Algo Que Nos Haga Aullar (en directo) es el nuevo disco de la banda, del que ya se han podido escuchar temas como Raíces, Nuestros campos y Fuera de control. Su nuevo proyecto es un álbum en formato directo grabado durante uno de los últimos concierto de la formación en la Sala B del CAEM de la ciudad de Salamanca ante más de 400 personas durante el sold out en su ciudad el 11 de mayo de 2024. Un disco que representa la armonía de folk, rock y rap que define a la banda, y recoge la realidad del directo de The Son of Wood, apoyado por el empuje de su público.

Asfalto y Cereal habla de una dualidad entre concepto y encuentro al mismo tiempo. Dos realidades antagónicas planteadas desde tres puntos de vista: la nostalgia, la crítica y la ambición. En este álbum, observamos una vida rural vacía, huérfana de habitantes, pero con recuerdos y experiencias que definen a los integrantes de la banda. De manera simultánea tenemos una vida urbana superpoblada y despersonalizada que les aísla de la muchedumbre y que al mismo tiempo es el escenario de lucha diario.
Tanto el mundo rural como el urbano convergen para recuperar un sentido común: la comunidad. Por un lado, la instrumentalización de las personas, el trabajo convirtiéndose en sinónimo de vida y las relaciones sociales flaqueando. En contraposición, los movimientos vecinales, el apoyo mutuo. En otras palabras, el olor a lucha desde el campo hasta el barrio para recuperar cada centímetro de nuestra tierra y cada minuto de nuestra gente.
Asfalto y Cereal fue grabado durante el mes de julio en Red Beard Studio (Alcalá de Henares), bajo la producción de Héctor Trujillo y de la propia banda. Youtube I Facebook I Instagram I Spotify.

Linze nos trae un nuevo adelanto titulado Derecho constitucional, con el que inician esta nueva etapa. Tras la buena acogida recibida por LINZE con la publicación de su último disco INTERFERENCIAS. La joven banda de Madrid, vuelve al estudio después de finalizar una extensa gira promocional con más de 40 fechas en todo el país. De ahí nace Derecho Constitucional, un tema de corte experimental en el que guitarras surf al estilo de lo sesenta, se cruzan con flamenco y garage, cristalizando en un estribillo lleno de veneno.
El sencillo defiende de manera primitiva el hastío de una generación joven, forzada a una eterna adolescencia. Con un estilo directo, sin dejar de lado investigación y vanguardia en el panorama underground, LINZE pone sobre la mesa un sonido con reminiscencias al pasado, pero fresco y actual, producido por Joselu (@hellojoselu).

LINZE: LINZE es una banda madrileña de rock´n´roll cuya apuesta principal es ofrecerle al público un gran espectáculo musical cargado de energía y personalidad, con una actuación en directo magnética. Desde que comenzase su trayectoria hace ya una década, cuenta con una dilatada experiencia tanto sobre los escenarios como en los estudios de grabación, con centenares de actuaciones en directo y varias obras originales en su haber. Así, ha recorrido las salas de conciertos más importantes de la capital (entre otras: El Sol, Galileo Galilei o Hard Rock Café), ha compartido cartel con algunos de los artistas más destacados del género a nivel nacional (M Clan, Sidecars o Loquillo, por mencionar algunos) y ha trabajado con reconocidos profesionales del sector en la grabación y producción de sus proyectos (destacando su álbum Hazlo Real con Dany Richter, o el sencillo El Diablo junto a Josu García).
Ahora, la formación se prepara para dar un gran salto con su próximo lanzamiento: un nuevo disco de diez temas inéditos grabado y producido en Estudio Uno, con el que busca dar impulso y evolución a su estilo musical, pero manteniendo su característico e inconfundible sonido. Youtube I Facebook I Spotify.

ISLA KUME estrena "Cantarán". Este nuevo sencillo es, tras Atrapá, Niña mía y Salvaje, el cuarto y último adelanto de Más de mil motivos, álbum debut del dúo. Se trata de una explosión sonora con una letra poética que habla de las voces que se elevan cuando somos colectivo, como las golondrinas, que alzan el vuelvo con su voz. "Cuando los pájaros cantan, todo se queda en silencio pues ni siquiera él se atreve a hacerlos callar?". Caminando entre la canción de autor y la folktrónica, desde estrofas melódicas hasta estribillos abrumadores, ISLA KUME une fuerzas con la cantautora aragonesa Ester Vallejo en esta oda a las voces disidentes, las golondrinas que siempre cantarán.

Isla Kume es una rave de panderetas y castañuelas, es una explosión de emociones que hacen saltar, gritar y vibrar con electrónica potente. Su sonido es un crisol donde convergen el folklore ibérico con los sonidos más potentes de la música electrónica. Su mensaje conecta nuestras raíces con una búsqueda identitaria actual.
El 21 de febrero de 2025 lanzaron MÁS DE MIL MOTIVOS, su álbum debut, un viaje que mira al pasado para reinterpretar presente y futuro. Un disco donde los instrumentos de cuerda, la percusión tradicional, la voz y la electrónica, se hacen uno en un universo sonoro repleto de sensibilidad y belleza. Este disco invita a una introspección que se expande hacia el exterior, transformando la historia en movimiento.
Ganadores del 1er Premio en el Festival Internacional de Artes WE NOW, y reconocidos con el segundo premio en el Festival Internacional MArteLive en Polonia, así como en los Premios CREAR aragoneses, Andrés Campos y Laura Sorribas, productores y multi-instrumentistas, han llegado para romper esquemas y revolucionar la escena de la fusión folktrónica. Youtube I Instagram I Spotify.

La banda vallisoletana Linda Burnetti regresa con el álbum Vuelve a por más, como anticipo, estrenan el sencillo Sin sentido y sin razón.Vuelve a por más, segundo álbum de los pucelanos verá la luz a partir del 28 de julio, un trabajo revelador que consta de nueve canciones, de las cuales, siete son piezas originales y dos son adaptaciones en corte de blues y swing de canciones populares. Linda Burnetti es una banda solvente con una puesta en escena impresionante que cuida al detalle todos los aspectos que gravitan alrededor del directo. Fieles al Blues-Rock y al Funk, no dudan en experimentar con otros estilos musicales para aclimatarlos a su repertorio. Los vallisoletanos trabajan las composiciones de sus canciones con el propósito de unificar su sonido a la apariencia de un muro, una propuesta sólida y homogénea; una labor posible, con el vínculo de las armonías, las líneas vocales y la instrumentación. Un método de trabajo que ratifica la fortaleza épica de Linda Burnetti.
La familia Burnetti irá avanzando el álbum Vuelve a por más con la publicación de diferentes sencillos durante los próximos meses. Del mismo modo, anuncian gira de presentación que recalará por las siguientes ciudades: Madrid, Astorga, Santiago de Compostela, La Coruña, Zaragoza, Valladolid, Gijón, Tafalla, Burlada, Santander y Campillo de Aranda.

Acerca de Linda Burnetti:
Linda Burnetti es un grupo musical originario de España, conocido por su estilo único que fusiona diversos géneros, incluyendo Blues, Rock y Funk. Se formó en Valladolid a finales del año 2021. El grupo está compuesto por siete miembros: la vocalista principal (Diana Rodríguez), el bajista y corista (David Díez), el guitarrista solista (Pablo Lora), el pianista y teclista (Raúl Núñez), el baterista (Alejandro Álvarez), el saxofonista (Miguel Ángel Cabero) y el trompetista (Diego Fernández), cada uno aportando su propia experiencia y creatividad a la banda.
Desde sus inicios, Linda Burnetti ha destacado por su capacidad para mezclar ritmos contagiosos con letras profundas y emotivas. Su primer álbum Once Upon a Time, lanzado en diciembre de 2021, muestra una pequeña parte del talento a la hora de componer sus canciones imprimiendo carácter. La formación ha estado en constante evolución, experimentando con nuevos sonidos y texturas, construyendo una base sólida orientada al directo. Ahora, con su segundo álbum Vuelve a por más, pretenden posicionarse y abrirse un hueco dentro de la escena nacional.
Gira Vuelve a por más:
Zaragoza, 28 de marzo, Sala La Ley Seca
Valladolid, 19 de abril, Sala CientoCero
Gijón, 26 de abril, Sala Tizón
Tafalla, 16 de marzo, Sala Informal
Navarra, 17 de marzo, Sala Black Rose
Valladolid, 12 de junio, Sala Porta Caeli
Campillo de Aranda, 28 de junio. Youtube I Facebook.

Ya está disponible en todas las plataformas Esclavos de la intensidad, cuarto adelanto del próximo EP homónimo de Los Acebos. En este sencillo, que los asturianos describen como el más importante de los que han publicado hasta la fecha, recurren a un sonido próximo al indie rock anglosajón de principios del siglo XXI para hablarnos de la importancia de soñar y apostar por ese sueño. En palabras de Alberto Rodríguez, líder de la banda, "'Esclavos de la intensidad' habla de hacer algo que presientes que tienes que hacer y no dejarlo escapar; de apostarlo todo a una sola carta, de cambiar la dirección 180 grados. Habla de de ver las luces pasar a toda velocidad, de miedos, de ansiedad, de no poder frenar. De no poder parar algo que llevas dentro y que tienes que sacar fuera. En definitiva, habla de pasión y dedicación". Al igual que el resto de los temas que compondrán este trabajo, el disco ha sido producido por Juan de Dios Martín en Estudios Mans y masterizada por el Miguel A. González en Black Box Mastering.

Los Acebos nace en 2023 de la necesidad de componer en un momento crítico en la vida de Alberto Rodríguez. El sonido de bandas como Foo Fighters, Dinosaur Jr., Incubus, Arctic Monkeys o Foals, cuyos discos le han acompañado a lo largo de su vida, se ve reflejado en los temas que conforman su primer álbum, Puntos de Vista, que desde su lanzamiento en febrero de 2024 ha despertado el interés de los festivales que han incluido a Los Acebos en sus últimas ediciones (Portamérica, La Mar de Ruido). Esta acogida le ha llevado a volver a entrar en el estudio para dar forma a Esclavos de la Intensidad, un nuevo EP que ve la luz a en marzo de 2025. El disco está producido por Juan de Dios Martín (Amaral, Xoel López, Rubén Pozo) y grabado en Estudios Mans y lo componen 6 temas que van de riffs roqueros a canciones intimistas en acústico. Cruz y Sed, Sigo quedándome atrás, A flor de piel y Esclavos de la intensidad son los primeros adelantos de este nuevo trabajo. Youtube I Spotify I Tik Tok I Soundcloud.

Budapest, la banda de indie pop y rock alternativo de Coventry, Reino Unido, saltó a la fama en la era MySpace con su sonido cinematográfico, sus composiciones cargadas de emociones y su flujo constante de carga de demos. Las presentaciones en vivo y su conexión con los fanáticos ayudaron a la banda a conseguir seguidores devotos. Su álbum debut, Too Blind to Hear (2002), producido por Dave Creffield (Embrace, Kaiser Chiefs) y Markus Dravs (Arcade Fire, Coldplay) obtuvo elogios de la crítica. El sencillo Censored Memories se convirtió en un éxito de radio en España, alcanzando el Top10 en las listas nacionales, lo que los llevó a ser titulares en el Festival Bennicassim, consolidando la reputación de la banda por crear música que resonaba a un nivel profundo.
La tragedia se produjo cuando el guitarrista Mark Walworth falleció poco después de finalizar el álbum. Decidida a seguir adelante, la banda contrató a su viejo amigo Matt Parker para la guitarra. Sin embargo, las tensiones con su sello comenzaron a frenar su progreso. Se canceló una gira por Estados Unidos y su segundo álbum, Head Towards the Dawn (2005), se lanzó sólo en España en medio de batallas legales en curso. A pesar de su éxito de crítica, abrumada por presiones financieras y legales, la banda se disolvió en 2005 después de un concierto con entradas agotadas en Madrid.

El líder John Garrison lanzó tres aclamados álbumes en solitario y cuatro más con su proyecto SATELLITES, obteniendo apariciones en más de 30 programas de televisión de Estados Unidos. El segundo álbum de SATELLITES recibió el prestigioso "Álbum del mes" en Rough Trade. John también se convirtió en un solicitado músico de sesión y compositor, colaborando con artistas como Ed Sheeran, Robbie Williams y Lewis Capaldi. El teclista Chris Pemberton logró un éxito similar, actuando con James Blunt y John Grant. El baterista Tom Visser comenzó el proyecto en solitario Tom the Lion.
La música de Budapest perduró, y los fanáticos apreciaron sus más de 70 demos inéditas de la era MySpace. En 2024, cuando se acercaba el vigésimo aniversario de su último concierto en Madrid, Garrison y Pemberton se reunieron mientras estaban de gira como músicos de la banda de James Blunt. Revisando sus antiguas demos, volvieron a grabar temas con el baterista de Budapest Tom Visser, descubriendo la relevancia atemporal de la música y reavivando su chispa creativa. En 2025, Budapest lanza estas grabaciones y actúa en vivo en España, reconectando con sus seguidores. Youtube.

Jordana B. publican junto a Sienna No he dormido nada, su último adelanto de su segundo álbum Otra vez el mismo drama. La canción es un himno y una tabla de salvación para todos los que, como Jordana B. y Sienna, padecen insomnio y habitan la melancolía. Un canto al desvelo donde hay soledad, un sueño musicalizado cuyo escenario es un Madrid nocturno y sus personajes hacen equilibrios por sus tejados como si formaran parte de un largometraje de Sorogoyen, Coixet o Haneke. Jordana B. lanza un nuevo disco bajo el nombre Otra Vez el Mismo Drama, un álbum con el que reirás a carcajadas y llorarás de vuelta a casa de madrugada. Será tu compañero de camino y tenderá su mano para observar el crepúsculo de una generación, una puesta de sol que jamás olvidarán todas las personas que formaron parte de ella.

Mientras tanto, Sienna, después del lanzamiento de TRANCE, se encuentra trabajando en nueva música que saldrá próximamente y no deja de girar por los diferentes escenarios de España. Acompañado de una nueva puesta en escena que hace sus conciertos todavía más especiales y en los que el público no ha tardado en aprenderse los nuevos temas y corear y cantar a pleno pulmón Esto no es el cielo, Creí que era eterno o Fuera(x3), entre otras.
Después de arrasar varias ciudades como Cartagena, Albacete, Barcelona, Palencia, Toledo, Badajoz, Baeza, Valencia, Bilbao, Madrid, Almería, Valladolid, Sienna anuncia nuevas fechas y, entre ellas, un final de gira muy importante que llevará a cabo en Madrid. El 14 de noviembre, Sienna hará un concierto único y especial en el Lula Club de Madrid para despedir este último proyecto en la capital y por todo lo alto. Enlace I YoutubeI Spotify Tik TokI .

Tras el éxito de su último álbum de estudio De dónde vengo, con más de 11 millones de streams en Spotify y elegidos como uno de los diez mejores discos de mestizaje en 2024 por medios especializados, Morochos vuelve con un nuevo proyecto: "Todo este vacío, primer sencillo de su próximo trabajo de estudio. Este disco pequeño está producido por Tato Latorre, con un sonido que conserva la esencia de Morochos con la guitarra española o el cajón flamenco, aportando sensaciones nuevas jugando con guitarras eléctricas, sintetizadores o teclados, consiguiendo una mayor profundidad en la producción que acompañan al concepto de la canción. Todo este vacío es un grito al último abrazo de una relación que se acaba; una canción que habla del dolor y del vacío que conlleva una ruptura, de cómo intentamos suplir esta falta con hábitos que para liberarnos del dolor aunque sea momentáneamente.
Durante el año 2025, Morochos trabajarán en su nuevo proyecto y estarán girando por toda España.

MOROCHOS
"Dos gemelos fabricantes de buen rollo. Fruto de la fusión del flamenco y el 'reggae' como ingredientes principales, un puñao de alegría, una dosis de vida furgonetera, una guitarra y un cajón. Venimos a cantaros nuestra vida con un objetivo muy claro: contagiar alegría y buen rollo allá donde vayamos". Así definen su proyecto Juan e Ignacio, los dos hermanos que forman Morochos. El dúo nace tras un viaje en furgoneta por el norte de Brasil interrumpido debido a la COVID-19. Es en su vuelta a Madrid cuando se fraguó este proyecto artístico que fue evolucionando hasta dar lugar a su primer disco Con Poquitas Cosas Ser Feliz. Con él, han girado por numerosas salas y ciudades del país ganándose al público gracias a sus canciones y cercanía en redes sociales. Morochos lanzará su tercer LP en 2026, después de presentar su segundo álbum de estudio De dónde vengo. Enlace I YoutubeI Spotify.

Tras la salida en junio de 2024 de Los hijos de la calle, disco que recopilaba todos los sencillos digitales colaborativos de Reincidentes realizados en los 4 últimos años, con pandemia por medio, en un formato de vinilo+cd, anuncian la salida de su álbum número 22 llamado: ¡Peligro!. Se trata de un álbum de temas inéditos, compuestos con solidez musical y temática. Se trata de un disco corto, con canciones más largas que las que los sevillanos han compuesto a lo largo de estos 38 años de estudios, carreteras y aeropuertos. Son ocho temas y una especie de reprise final que podría resumir la filosofía de todo el trabajo.
Siempre con esa vocación de fotógrafos sin filtro de una realidad cambiante y últimamente bastante peligrosa para la asunción de los valores que la banda siempre ha defendido. Esta vez se atreven a hablar de ellos mismos sin llegar a ser un disco que se pueda tildar de intimista. Hablan de las cosas que les importan de verdad. De qué tipo de futuro social y político nos puede esperar con esas nuevas corrientes neoliberales y neofascistas que a base de bulos, mentiras y un uso obsceno de las redes está llegando al corazón de mucha gente que en realidad sabemos que es bienintencionada.

Por supuesto hablan de Palestina, que corre uno de sus peores momentos desde su invasión a mitad del siglo pasado, de la cultura y su papel en nuestra sociedad. De los derechos conquistados que ahora algunos ponen en cuestión, llamándolo "buenismo", "dictadura de lo progre" y demás apelativos de ese calibre. Hablan de ellos mismos como banda madura que quiere estar subida a los escenarios "hasta que les dé el cuerpo" porque la música se convirtió literalmente en su vida.
En cuanto al sonido, lo encontramos más abigarrado, más variado, desde el rock and roll más clásico hasta sonidos de nu metal pasando por la tradición ramoniana o pinceladas grunge. Es su disco menos punk en cuanto a actitud. La incorporación de Chispes a la banda se traduce en sonidos de calidad alta. Mucha solidez y mucha veteranía son cosas que se huelen a la primera toma de contacto. Este trabajo cuento con la ayuda de Adrián Ogando (Jujuy, Argentina) que ya ha trabajado con ellos más veces, y Carlos Marquez, viejo amigo de la banda. Alfonso Espadero sigue grabando y mezclando y Jordi Gil masterizando en Tempo Estudios y Estudios Sputnik respectivamente. Enlace I Youtube I Facebook I Spotify.

La capacidad de pablopablo para describir el sentimiento del desamor más punzante de manera intuitiva es una marca personal propia. En esta ocasión cuenta a su lado con dos artistas provenientes de mundos musicales aparentemente dispares y que sin embargo se complementan: por un lado, el niño bonito de la escena alternativa hispana Ralphie Choo y por otro Carín León, uno de los nombres más importantes del regional mexicano y reciente ganador de un Premio Grammy al Mejor Álbum de Música Mexicana.
"Juan y yo hicimos muchas canciones el día que hicimos 'Eso Que Tú Llamas Amor'. De hecho, de ésta sólo teníamos los acordes, su melodía y mi idea del estribillo. Extrañamente mirando atrás creo que los dos queríamos hablar del tema que trata la canción pero no lo ubicábamos todavía. Meses más tarde, cuando escribí mi verso y me junté con Juan para que hiciera el suyo, entendimos que la canción era más personal de lo que habíamos imaginado", comenta pablopablo sobre el origen de la canción. Ralphie Choo añade Creo que Pablo y yo nos encontrábamos en la misma situación sentimental. Como de querer que dos piezas encajaran siendo piezas de puzzles distintos. En ocasiones encajan pero a la larga esa holgura va haciendo mella. Es una canción escrita desde el respeto hacia ese amor que no termina de agarrarse. Que por mucho que le reces al asunto para que salga bien, la realidad te va a decir si funciona o no".

Aunque no se haga evidente a primera escucha y la ensoñadora producción cercana a la psicodelia de Pablo y Ralphie nos lleve a otros lugares, en origen la canción fue concebida como un homenaje a los corridos y la canción despechada mexicana. Seguramente esa sea la razón por la que el verso de Carín León funciona tan bien: "Estaba en el estudio escribiendo para Pucho y Carín León, veníamos hablando de José Alfredo Jiménez y les quise mostrar esta idea a ver qué pensaban. A Carín le encantó y escribió su verso en 5 minutos. Ya era súper fan de él y me hizo muchísima ilusión - además el verso es increíble", explica pablopablo sobre cómo surge la incorporación del artista de Hermosillo al proyecto.
Con Mi Culpa, Lejos De Más y ahora Eso Que Tú Llamas Amor el cantautor madrileño entrega una trilogía de sencillos sobre relaciones rotas y la complejidad de amar en el siglo XXI que le sitúa en el foco internacional como uno de los artistas emergentes del panorama actual.
Próximas fechas de pablopablo:
05/04 - Ceremonia - CDMX (Mexico)
29/05 - Tomavistas - Madrid (España) 03/07 - Vida Festival - Vilanova i La Geltrú (España)
10-12/07 - BBK - Bilbao (España)
06-10/08 - Sonorama - Aranda de Duero (España). Youtube I Instagram I Spotify I Tik Tok.

Tras la gran acogida de su primer sencillo, Sex Sodio Sullivan vuelve a sorprender con el lanzamiento de su segundo adelanto, Hay un monstruo bajo tu cama. Este sencillo se posiciona como una de las canciones más potentes del nuevo álbum, con un marcado estilo de rock alternativo que evoca al Sex Sodio Sullivan más crudo y visceral, pero enriquecido con una instrumentación más sofisticada y melódica.
Con atmósferas envolventes y melodías que transportan al oyente, el tema destaca por el trabajo detallado en las guitarras, que combinan la esencia original de la banda con un toque renovado. La letra, una expresión de libertad y renacer, aborda el auto-sabotaje como una crítica social. En palabras de la banda: "todos somos víctimas de nuestras propias decisiones y a veces nuestro peor enemigo en un mundo que anhela verte derrotado, pero aprendemos a salir adelante y a superarnos". Este mensaje, cargado de esperanza y determinación, convierte al single en una declaración de intenciones.
Este sencillo es un anticipo y una clara llamada para estar muy atentos a lo que será su cuarto disco, La vida es un videojuego, cuyo lanzamiento está programado para el 27 de febrero. Este álbum, producido por Manuel Cabezalí, promete ser el trabajo más ambicioso de la banda hasta la fecha. Concebido como un viaje a través de las etapas de la vida, el disco combina lo mejor de sus tres álbumes anteriores con un enfoque fresco y una visión renovada. "El proceso de grabación fue como un juego", comenta Manu Hernández. "La banda ha sabido capturar la esencia de la espontaneidad mientras exploraba nuevas texturas y melodías". El resultado es una colección de canciones que fusiona la intensidad emocional de sus primeras producciones con un sonido más maduro y trabajado, sin perder la energía que los caracteriza.

Sobre el disco:
La vida es un videojuego marca un punto de inflexión en la trayectoria de Sex Sodio Sullivan. Incorporando afinaciones estándar y un enfoque innovador en la composición, el grupo explora temas que van desde la búsqueda de identidad hasta los momentos clave que definen la existencia. La producción, cuidada al máximo detalle, equilibra la naturalidad de las interpretaciones con un tratamiento moderno que resulta adictivo desde la primera escucha.
Con una trayectoria que abarca casi una década, Sex Sodio Sullivan sigue demostrando su capacidad de reinventarse y de emocionar a sus seguidores con cada nuevo proyecto. Más información en este enlace. Youtube I Facebook.

La nueva etapa creativa de Rigoberta Bandini está siendo la del descubrimiento de una faceta que no había explorado en sus canciones anteriores. Tanto los sencillos que han visto la luz en los últimos meses de 2024 -Si Muriera Mañana y Pamela Anderson- como Kaiman, el tema que hoy estrena la artista catalana, nos muestran su evolución y una madurez compositiva que le ha llevado a indagar en sí misma y apostar por la introspección como nunca antes.
Kaiman es una canción construida sobre sintetizadores dosmileros y su versión de la canción de autor -simbolista y cargada de cultura pop- que conquistó de cientos de miles de seguidores con canciones como Ay Mama, Así Bailaba o Perra y que ha convertido a Rigoberta Bandini en uno de los iconos generacionales más importantes en la presente década.

Rigoberta Bandini explora en Kaiman sus dudas sobre su desdoblamiento entre la persona y la artista y su relación con la aprobación y el deseo ajenos hacia sí misma. En esta canción conocemos a través de la propia voz de Paula Ribó sus inquietudes acerca de su ambición por trascender y por ser gustada por el público y su entorno. Lo hace, como es habitual, tilizando la imagen de ese caimán con colmillos de acero que ve cuando se mira al espejo, y que incluso le dificulta a cumplir los sueños que tuvo antes de embarcarse en su carrera artística.
Rigoberta Bandini nos sitúa en Everglades, el pantanoso y legendario hogar de caimanes en Florida para cantarnos sobre sus fantasmas. En este caso, a través de un medio tiempo de pop electrónico y ambiental que nos enamora desde el primer instante para después ir descubriendo las capas de significado detrás de Kaiman.
Este es el tercer adelanto de Jesucrista Superstar, el segundo álbum de estudio de Rigoberta Bandini que promete convertirse en uno de los grandes lanzamientos de 2025 en la escena española. Youtube I Instagram I Spotify.

La cantaora flamenca Lela Soto, una de las voces más prometedoras del panorama actual, lanza su tercer sencillo, Inaccesible, tema que continúa abriendo el camino hacia su esperado álbum debut, El fuego que llevo dentro. En esta ocasión, Lela invita a un viaje íntimo y poderoso que conecta con las raíces más profundas de su herencia gitana pero aportando toda su personalidad y frescura que hace del flamenco un arte vivo en constante evolución.
INACCESIBLE: UNA SOLEÁ INÉDITA QUE ROMPE MOLDES
Inaccesible es posiblemente el tema más especial del disco para la cantaora, ya que se trata de una composición inédita de su tío, el célebre José Soto "Sorderita", fundador de Ketama y una figura clave en la historia del nuevo flamenco. Con esta soleá, Lela aporta su personalidad única a un palo tradicionalmente rígido, abriendo nuevos horizontes musicales sin perder su esencia.
En palabras de la propia artista: "Es un tema que no podía faltar en mi primer disco. Desde que lo escuché por primera vez fue un flechazo. Me identifico mucho con lo que cuenta la historia, ya que es algo que he vivido en mi propia piel".
La narrativa de la canción gira en torno al amor más pasional y, como explica Lela, "es una historia que puede transmitir muchas cosas según tu estado emocional. Aunque parezca que habla de una relación de pareja, también puede aludir a esa conexión difícil con alguien cercano de tu familia".
El acompañamiento a la guitarra corre a cargo de uno de los genios de la música: Diego del Morao, quien engrandece aun más la soleá con su sensibilidad. La combinación de la voz de Lela cargada de matices y la guitarra de Diego convierte esta obra en una pieza de orfebrería musical.

UN ÁLBUM QUE RENUEVA EL FLAMENCO DESDE DENTRO
En El fuego que llevo dentro, Lela explora los principales estilos del flamenco, aportándoles frescura y renovando sus formas clásicas desde la esencia del propio género. Este disco reúne letras inéditas compuestas por Lela, su prima Manuela, su tío Sorderita y otros miembros de su familia, como Vicente Soto y Manuel Soto. Además, el álbum cuenta con la colaboración de algunos de los guitarristas más destacados de la escena nacional e internacional, entre ellos Diego del Morao, Josemi Carmona, Rycardo Moreno, José del Tomate, Antonio Malena y Rubén Martínez.
Para Lela, la esencia del proyecto radica en honrar su herencia mientras busca la renovación del flamenco desde sus raíces. "Quiero aportar frescura a lo que he heredado, reivindicando mi propia manera de hacer flamenco a través de lo que he aprendido de mi familia", señala. Youtube I Facebook I Instagram I Spotify.

Tras publicar su primer single El Final y sorprendernos con su salto al castellano, Anaut nos trae el segundo adelanto de lo que será su nuevo álbum tras casi seis años de silencio discográfico. La Paz es su nuevo semcillo que podemos disfrutar en todas las plataformas digitales. Se trata de una canción que llega en un momento perfecto si nos paramos a contemplar todo lo que está ocurriendo a nuestro alrededor, especialmente en estas primeras semanas del 2025. La Paz es una reflexión sobre un mundo fracturado, donde el miedo se convierte en herramienta de caos y control social.
Con un tono contundente, esta canción transmite la certeza de un final marcado por el conflicto y la pérdida de la serenidad. Lo vivimos cada día: gente joven hablando de la izquierda y la derecha, del hombre y la mujer, de blancos y negros... como hace 50 años. Con la llegada de su estribillo, Anaut propone romper ese ciclo mediante el diálogo y la generosidad que ya se emplearon entonces, y que son tan necesarios ahora.

Después de casi seis años de silencio discográfico, Anaut regresará con un nuevo álbum en 2025. Aunque esto no significa que haya estado desaparecido ya que no ha parado de girar, y durante el último año le hemos visto girando y presentando el último trabajo de Combo Paradiso (Calaverita Records), el supergrupo formado por Julián Maeso, Juan Zelada, Adrián Costa y el propio Alberto Anaut al frente. Su nuevo trabajo se publicara en 2025. Una base rock cargada de atmósferas hipnóticas destaca el gran cambio de pasar a cantar en castellano tras haber publicado todos sus trabajos hasta ahora en inglés. Enlace I Youtube I Instagram I Spotify I Tik Tok.

El Faro consigue iluminar las emociones profundas con mensajes esperanzadores. Sus canciones son conmovedores relatos que abrazan el alma. Hay Un Brillo es su nueva canción que en clave de un indie-pop luminoso consigue una conexión emocional instantánea ante la promesa de que algo mejor puede llegar. Un sonido que es una cálida mezcla entre la delicadeza de Justin Vernon y el desgarro de Iván Ferreiro hablando a la Generación Z o como si The National hubiera nacido en Tenerife.
Carlos Díaz presenta el primer adelanto del que será su álbum debut llamado Esperancero, que cuenta con la producción de Lisandro Montes (Dorian) y que editará el año que viene los sellos Acuarela e Intromúsica. Hay Un Brillo es una canción envuelta en unos versos íntimos e introspectivos que, gracias a una instrumentación evocadora que describe lo que supone un flechazo y las posibilidades que ofrece la ilusión que da una hoja en blanco. Una mezcla de euforia y vértigo donde también hay espacio para las inseguridades y las dudas que nos recorren al pensar si no somos suficiente. Pero al final, la sonrisa al sentarte en tu coche después de haberos despedido es lo que se impone en una canción llena de vitalidad.

"El brillo no es la otra persona, sino la promesa. Un haz de luz que nos deslumbra pero nos da la fuerza para, después de todos los golpes, volver a abrirle nuestras puertas de par en par a alguien" comenta El Faro sobre una canción que es un estado de ánimo.
SOBRE EL FARO
De puro impulso y un día después de cumplir 17 años, Carlos Díaz lanzaba su primera maqueta en 2011 desde el noroeste de Tenerife, isla de la que es original. Desde entonces, se ha rodeado de diferentes formaciones y lanzado diferentes publicaciones, dejando largos periodos de tiempo y silencio de por medio, y reactivándose por fin en 2019. En 2025, un año después de mudarse a Madrid y publicar su cuarto corta duración titulado Una Paz Extraña, El Faro vuelve como el vehículo hacia la catarsis de Carlos Díaz, con un sonido cincelado por nuevas influencias y dejando el pecho al descubierto en Esperancero, su primer LP. Youtube I Instagram I Spotify.

Héctor Guerra presenta Somos Semilla, sencillo de su nuevo disco TODOS SOMOS LA FUENTE, que será lanzado bajo el sello Calaverita Records en octubre. Héctor Guerra es uno de los artistas más innovadores y versátiles de la música contemporánea, conocido por su habilidad para fusionar géneros y culturas. Con una carrera que ha desafiado las convenciones, Guerra se ha establecido como un referente en la escena musical global, especialmente en el ámbito de la música urbana y alternativa. Su estilo combina hip-hop, reggae, cumbia, y ritmos electrónicos. En colaboración con el costarricense Fabián Pacheco, este tema se erige como un llamado urgente en defensa de las semillas y la vida misma, frente a las amenazas de las multinacionales como Monsanto.

Somos Semilla incluye un canto de poder indígena de la etnia Comcaac del desierto de Sonora, México, interpretados por la abuela ROSA AMELIA BARNETT, y cierra con un extracto de la canción No nos Falte del cantautor Max Góldenberg. Este tema no es solo una canción, sino un manifiesto que denuncia las prácticas anti ambientales de Monsanto y celebra la resistencia popular que en Costa Rica logró evitar la liberación de semillas de maíz transgénico entre 2012 y 2014. Durante esta campaña, 75 consejos municipales declararon sus territorios libres de transgénicos, marcando una victoria histórica que aún resuena en la región.
Fabián Pacheco, activista con 30 años de experiencia en la defensa de los sitios sagrados y las comunidades locales de América Latina, destaca la importancia de visibilizar las luchas de los músicos emergentes y activistas. Su colaboración con Héctor Guerra en Somos Semilla es una obra que no solo refleja estas luchas, sino que también carga con una historia rica en victorias ambientales que aportan un valor incalculable a esta producción. Musicalmente, Héctor nos lleva por todo un viaje cuántico, un perreo cósmico que nos hace bailar y disfrutar de ritmos con pinceladas al dancehall y la música urbana incluso tintes de funk. Youtube I Facebook I X I Instagram.